Archivo de la categoría: Canciones con historia

Night Witches – Sabaton y las «Brujas de la noche»

«¡Queridas hermanas! ¡Ha llegado la hora de una dura retribución! Ponte en las filas de los guerreros por la libertad […]!»

En 2014 la banda sueca Sabaton publicó su séptimo álbum de estudio llamado Heroes que cuenta la historia de personas particulares que hicieron actos heroicos durante la II Guerra Mundial. La canción que analizaremos a continuación es «Night Witches», tema con el que se abre el álbum y que narra la historia de un regimiento de aviadoras de la URSS conocidas como las brujas de la noche.

Videoclip animado

Marina Raskova

Antes de entrar de lleno en la canción, tenemos que detenernos en la figura de Marina Raskova, quien hizo posible la creación no de uno, sino de tres regimientos de mujeres aviadoras.

Marina Malinina (nombre de nacimiento) nació en Moscú en una familia de clase media. Su madre era maestra y su padre profesor de canto. Cuando era pequeña su aspiración era la de convertirse en cantante de ópera, sueño que se vio truncado por las dificultades económicas, por lo que decidió estudiar química. Comenzó a trabajar como química en una fábrica y allí conoció a su marido Serguéi Raskov, cambiando su apellido a Raskova. Con él tuvo un hijo y se divorció posteriormente.

En 1931 dejó la fábrica y comenzó a trabajar en un laboratorio de navegación en la academia de la fuerza aérea. A través de su trabajo se fue acercando cada vez más a la aviación. En la academia estudió matemáticas, navegación, ingeniería mecánica, física y teoría de radio. En 1934 se graduó en el Instituto de Investigación Científica de la Fuerza Aérea de Leningrado siendo la primera mujer soviética en convertirse en navegante aérea.

En 1938 se desarrollaría un hito que marcaría su carrera, el del vuelo más largo sin escalas realizado hasta la fecha. Este vuelo lo realizó con dos mujeres más (las pilotos Valentina Grizodúbova y Polina Osipenko) en un prototipo de bombardero Tupolev ANT-37 llamado Rodina (Madre Patria en ruso). Por este hecho las tres mujeres fueron condecoradas con la medalla estrella de oro de la Orden de Lenin.

Tupolev ANT-37 «Rodina». De izquierda a derecha Polina Osipenko, Valentina Grizodubova, and Marina Raskova. Fuente: Wikipedia.

La creación de los regimientos

El 22 de junio de 1941 dio comienzo la Operación Barbarroja por la que la Alemania de Hitler invadió la URSS. Ante esta situación muchas fueron las mujeres que solicitaron alistarse voluntariamente para luchar en el frente pero sus peticiones fueron ignoradas, incluso la de Marina Raskova que por aquel entonces ya era oficial y una heroína nacional.

Muchas de estas mujeres pensaron que Raskova tendría influencia suficiente para poder hacer posible la participación de estas voluntarias en la guerra y decidieron enviar miles de cartas pidiéndole que intercediera.

Mientras los alemanes se iban acercando a Moscú, Marina trató de convencer a Stalin para formar regimientos de mujeres como parte de la aviación soviética. Al final de la primera semana de septiembre de 1941, cuando el ejército alemán rodeó la ciudad de Leningrado, Marina pronunció un discurso en una «reunión antifascista de mujeres» en Moscú en el que instaba a las mujeres a ofrecerse voluntarias para participar en la guerra.

El 8 de octubre de 1941, el Comisariado de Defensa del Pueblo dictó la Orden 0099 para formar un grupo de mujeres aviadoras dirigido por Marina Raskova. Ahora, un representante militar llamado coronel Bagaev se reunió con Marina Raskova y confirmó que el nombre formal de su unidad de aviación sería 122º Cuerpo de Aviación, constituido, a su vez, por tres regimientos: el 586º Regimiento de Combate Aéreo, el 587º Regimiento Aéreo de Bombarderos y el 588º Regimiento de Bombardeo Nocturno, conocido por los nazis como «las brujas de la noche» el cual sería el único que estaría integrado por mujeres durante toda la guerra.

Pilotos del 588º Regimiento de Bombardeo Nocturno. Fuente: Wikipedia.

Las «Brujas de la noche»

From the depths of hell in silence
Cast their spells, explosive violence
Russian night time flight perfected
Flawless vision, undetected

Los regimientos de mujeres no tuvieron buena acogida entre los soldados masculinos y no fueron bien tratadas en un principio. Entre estos regimientos mencionados anteriormente Sabaton escoge el de bombardeo nocturno (el 588º) y nos traslada a la II Guerra Mundial.

En esta primera estrofa la banda nos dice que aparecen en silencio desde el infierno y «lanzan sus hechizos» de explosiva violencia haciendo una metáfora con el propio nombre del regimiento (brujas) y la capacidad de lanza hechizos (bombas).

Canvas wings of death
Prepare to meet your fate
Night Bomber Regiment
588

¿Por qué fueron llamadas de esta manera? Sabaton nos habla de «alas de lona de la muerte» en referencia a los aviones que utilizaban. Estos biplanos eran modelos Polikarpov Po-2, el cual era un pequeño avión de madera y lona. Estas aeronaves eran muy manejables y permitían volar a ralentí o planear sin hacer mucho ruido por lo que eran ideales para las misiones nocturnas. Los nazis apodaron a este escuadrón como «brujas» por el sonido que hacían los aviones que era parecido al de una escoba barriendo.

Las aeronaves eran pequeñas y apenas podían transportar muchas bombas por lo que realizaban vuelos cortos y volvían a improvisados aeródromos cercanos.

Pushing on and on, their planes are going strong
Air Force number one
Somewhere down below they’re looking for the foe
Bomber’s on the run

You can’t hide, you can’t move, just abide
Their attack’s been proved (raiders in the dark)
Silent through the night the witches join the fight
Never miss their mark

Las estrofas de la canción hacen referencia al modo de proceder de este regimiento y el hostigamiento al que sometieron a los nazis. Estas dos estrofas nos hablan de la aparición de las «Brujas» sobre un campamento nazi. Llegaban «empujando una y otra vez» y desde el suelo miraban al cielo sin saber muy bien de dónde llegaba el peligro por lo que no podían esconderse ni moverse, solo permanecer atentos.

Foes are losing ground, retreating to the sound
Death is in the air
Suddenly appears, confirming all your fears
Strike from witches lair

Target found, come around, barrels sound
From the battleground (axis aiming high)
Rodina awaits, defeat them at the gates
Live to fight and fly

Estos ataques eran difíciles de contrarrestar por varios motivos, pues se hacían de forma rápida y apenas daba tiempo a poner los aviones en marcha. Además, la aviación nazi (Luftwaffe) utilizaba unas aeronaves tan desarrolladas, que su velocidad mínima era superior a la velocidad máxima de los Polikarpov y no podían volar con seguridad en esas condiciones. Entre sus opciones estaban las de tratar de disparar desde el suelo a ciegas con ametralladoras “Objetivo encontrado, vienen, suenan cañones desde el campo de batalla (el eje apunta alto)”

Polikarpov Po-2 del 588º regimiento. Fuente: Wikipedia.

«Rodina espera, derrótalos a las puertas» Esta frase puede hacer referencia a la Madre Patria, personificada con el nombre de Rodina, aunque también se trató del bombardero que pilotó Marina Raskova con el que hizo el récord de distancia, sin embargo, esta aeronave no entró en batalla.

El 588º Regimiento de bombardeo Nocturno participó en unas 23.672 misiones, siendo en la Batalla de Crimea en la que más salidas hicieron.

Heroínas de la URSS

Beneath the starlight of the heavens
Unlikely heroes in the skies (witches to attack, witches coming back)
As they appear on the horizon
The wind will whisper when the night witches come

Esta última estrofa nos dice que bajo la luz de las estrellas de los cielos héroes inverosímiles aparecen en el horizonte y el viento susurrará cuando vengan las brujas de la noche.

Lo cierto es que estas mujeres se convirtieron en heroínas de la patria, cuestión que no era esperada. Durante la II Guerra Mundial no solo las aviadoras obtuvieron este galardón sino también muchas mujeres de otros cuerpos que participaron en la guerra. El título de Héroe de la Unión Soviética es el galardón más importante que podía obtener un ciudadano. Solo 92 mujeres recibieron este reconocimiento y 50 de ellas de forma póstuma. Las aviadoras y navegantes fueron las más condecoradas, un total de 34 mujeres consiguieron la máxima distinción soviética con una medalla de oro en forma de estrella y otra de la Orden de Lenin.

Izqierda: Medalla de la Orden de Lenin. Derecha: Medalla Héroe de la URSS.

Estos regimientos aéreos están reconocidos como los primeros en los que mujeres piloto y navegantes sirvieron en primera línea de combate.

Bibliografía

Berglund, B. (2019). Night Witches at War: The Soviet Women Pilots of World War II. Capstone.

Myles, B. (1990). Night Witches: The Untold Story of Soviet Women in Combat. Academy Chicago.

Noggle, A. (1994). A Dance With Death: Soviet Airwomen in World War II. Texas A&M University Press.

Sakaida, H. (2012). Heroines of the Soviet Union 1941–45. Bloomsbury Publishing.

Vinogradova, L. (2016). Las brujas de la noche. En defensa de la Madre Rusia. Titivillus.

Wein, E. (2019). A Thousand Sisters: The Heroic Airwomen of the Soviet Union in World War II. HarperCollins.

Mein Teil – Rammstein y el Caníbal de Rotemburgo

«En busca de alguien fornido de
dieciocho a treinta años para ser asesinado.»
El Maestro Carnicero.

De esta forma comienza la canción Mein Teil de la banda alemana Rammstein, primer sencillo del álbum «Reise, Reise», publicado en 2004. Esta frase entrecomillada se basa en un anuncio que un tal «Franky» escribió en un foro en 2001. Sin embargo, el mensaje no era para ser asesinado sino para ser degustado.

A este anuncio respondió una persona, Bernd Jürgen Brandes, el protagonista de esta canción, quien realizó un encuentro con Armin Meiwes, el conocido como Caníbal de Rotemburgo. Como os podéis imaginar, a continuación hablaremos de uno de los casos más macabros que han ocurrido en la historia reciente de Alemania.

El encuentro

Heute treff ich einen Herrn
Der hat mich zum Fressen gern
Weiche Teile und auch harte
stehen auf der Speisekarte

Hoy me reuniré con un caballero
Le gusto tanto que hasta podría comerme
Partes blandas y partes duras
están en el menú

La primera estrofa de la canción comienza con Bernd narrando que ha conocido a un hombre y que quiere comérselo. ¿Qué podría motivarlo a ofrecerse voluntario para ser comido? Bernd obtenía satisfacción con el masoquismo y resultó ser la víctima perfecta para llevar a cabo el festín pues tenía el deseo de que le cortaran el pene.

El encuentro entre ambos se desarrolló de forma cordial, en un principio parece ser que el desenlace no iba a ser el que fue pero cuando iban a despedirse Bernd cambió de idea y se ofreció para ser mutilado y comido.

El banquete

Die stumpfe Klinge – gut und recht
Ich blute stark und mir ist schlecht
Muss ich auch mit der Ohnmacht kämpfen
ich esse weiter unter Krämpfen

La navaja poco afilada– buena y apropiada
Me desangro y me siento enfermo
Aun así debo luchar para estar despierto
Y continúo comiendo mientras tengo nauseas

Bernd ingirió una gran cantidad de alcohol y pastillas, cuando ya no sentía nada instó a Meiwes a que le cortara los genitales y los cocinara. Este lo intentó con una navaja pero tuvo que ir a por otra por no estar bien afilada, tras esto, cocinó el miembro de Bernd mientras este se desangraba y aguantaba el dolor. Según el propio Meiwes solo gritó durante 20 o 30 segundos. El resultado al freírlo fue un fracaso y apenas pudieron comer nada. En esta estrofa Bernd todavía se encontraba vivo y, aunque mareado, consiguió comer algo de su propia carne. Las náuseas de las que habla fueron provocadas por el alcohol, las pastillas y el desangramiento.

Ist doch so gut gewürzt
und so schön flambiert
und so liebevoll auf Porzellan serviert
Dazu ein guter Wein und zarter Kerzenschein
Ja da lass ich mir Zeit
Etwas Kultur muss sein

Está tan bien sazonada
y tan hermosamente flambeada
y tan cariñosamente servida en porcelana
Y para acompañar, un buen vino y una gentil luz de vela
Sí, me tomaré mi tiempo
Algo de culto debes ser

Aparte de los genitales, Armin cortó algunos pedazos más de carne, los cuales sazonó y cocinó con esmero y sirvió acompañados de vino. Como si de una cena romántica se tratara.

Ein Schrei wird zum Himmel fahren
schneidet sich durch Engelscharen
Vom Wolkendach fällt Federfleisch
auf meine Kindheit mit Gekreisch

Un grito subirá al cielo
Y cortará hasta a los propios ángeles
Plumas-Carne caen estrepitosamente
desde lo alto de las nubes sobre mi infancia

En la estrofa, Rammstein narra estos últimos momentos antes de la muerte de Bernd como una persona que está preparada para asumir su destino. Las investigaciones se centraron en si Bernd quería morir de verdad o solo disfrutar de esa experiencia a la hora de establecer la pena del acusado pero de eso hablaremos más adelante. Parece ser que la infancia de nuestra víctima había sido particularmente dura y se sentía culpable del suicidio de su madre, lo cual lo había llevado a desarrollar este comportamiento masoquista.

Cuando Bernd se encontraba al borde de la inconsciencia, Meiwes le asestó una puñalada mortal en el cuello, lo troceó y lo guardó para comerlo posteriormente. Durante un tiempo se alimentó del cuerpo de su víctima, llegando a consumir unos veinte kilos de carne que cocinó con diferentes salsas y acompañamientos.

¿Cómo advirtieron las autoridades que se encontraban ante este caso? Armin Meiwes buscó más víctimas en foros en los que se jactaba de haber probado la carne humana. Una de estas personas decidió avisar a la policía, quienes abrieron una investigación y encontraron partes del cuerpo de Bernd, además de todas las grabaciones de la fatídica noche.

El proceso judicial

Este proceso judicial causó un gran revuelo mediático, pues fue la primera vez que se juzgaba un hecho de tales características y la sentencia crearía jurisprudencia. Durante el juicio se debatió la condena entre unos años de prisión y la cadena perpetua. La fiscalía defendía la cadena perpetua por «asesinato con motivación sexual y perturbación del descanso de los muertos» mientras que la defensa presentó el caso como un «homicidio por encargo», pues la víctima había consentido según el relato de Meiwes.

Para la fiscalía el crimen se había cometido por motivos sexuales, pues el ritual de canibalismo fue grabado y disfrutado posteriormente por el acusado, quien se masturbaba con su obra de arte.

Armin Meiwes durante el proceso judicial. Fuente: Wikipedia.

La pena impuesta en la sentencia fue de ocho años y medio de prisión en 2004 por homicidio por encargo. Sin embargo, la fiscalía realizó un recurso que terminó con una sentencia por homicidio con agravantes que no se habían tenido en cuenta resultando la cadena perpetua en este proceso.

Actualmente, Armin tiene derecho a realizar salidas vigiladas de la cárcel que consisten en paseos cortos con la compañía de dos agentes.

Denn du bist
was du isst
und ihr wisst
was es ist
Es ist mein Teil – nein
Mein Teil – nein
Denn das ist mein Teil – nein
Jetzt ist mein Teil – nein

Porque tu eres
lo que comes
y tú sabes
lo que es
Es mi parte – no
mi parte– no
Porque es mi parte – no
Ahora es mi parte – no

El estribillo de la canción nos muestra el famoso lema “eres lo que comes”. Estas palabras han sido recitadas por Armin en más de una ocasión, sintiendo que el crimen sirvió para unir a los hombres de una manera especial como afirma en el documental Docs: Entrevista con un caníbal, publicado en 2009.

Una mención aparte merece la interpretación de esta canción en directo, en la que Till Lindemann aparece vestido de carnicero, ensangrentado y portando un cuchillo de grandes dimensiones al que se ha acoplado el micrófono. Al inicio de la canción Lindemann arrastra una olla con ruedas en la que se encuentra el teclista Christian Lorenz. En un momento de la canción Lindemann trata de cocinar a Lorenz con un gran lanzallamas. Aquí el vídeo de esta genial puesta en escena.

Bibliografía

«Caníbal de Rotemburgo» cuenta cómo mató y comió a un hombre | Crhoy.com. (s. f.). CRHoy.com Periodico Digital Costa Rica Noticias 24/7.

Entrevista a un caníbal. Documentos TV.

Los jueces alemanes condenan al «caníbal de Rotemburgo» a tan sólo ocho años de cárcel. (2004, enero 30). El País.

Un alemán se come a un amigo que conoció a través de Internet. El País.

Un asesino caníbal desvela a qué sabe la carne humana. (2016, febrero 18). abc.

Un tribunal alemán condena a cadena perpetua al «Caníbal de Rotemburgo». (2006, mayo 9). La Verdad.

Welle (www.dw.com), D. (s.f.). Nuevo juicio contra el «caníbal de Rotemburgo» | DW

Lola Montez – Volbeat

«Lola Montez» es el título de la novena canción del álbum Outlaw Gentlemen & Shady Ladies de la banda de hard rock y heavy metal danesa Volbeat. Un tema que comienza con una descripción sugerente:

Feel the fire where she walks
Lola Montez so beautiful
Shady and a tempered dame
Blinding your eyes with her spider dance

Pero ¿quién era esa tal Lola Montez? ¿Existió realmente? ¿Y qué era la danza de la araña a la que se refiere ese último verso? Pues la respuesta a todas esas preguntas es la historia de una gran mentira creada por la propia protagonista.

Lola Montez en realidad nació con el nombre de Elizabeth Rosanna Gilbert en febrero de 1821 en Grange (Irlanda). Hija del británico Edward Gilbert y Eliza Oliver, con solo dos años se trasladó con sus padres a India a causa de la profesión de su padre, alférez del ejército inglés. Sin embargo, al poco tiempo el militar falleció a causa de la cólera que contrajo en tierras indias. Su madre se emparejó de nuevo en Calcuta con otro militar, el teniente Patrick Craigie, y ahí comenzó el distanciamiento entre la madre y la hija.

Mientras su madre se daba a la vida de lujo y excesos de la colonia británica, Elizabeth quedó al cuidado de un aya, de nombre Denali. Entre Calcuta y Daca, la pequeña fue definiendo su carácter rebelde y temerario. Preocupados por que la situación fuese más allá y para proteger a la niña de las enfermedades tropicales, sus padres decidieron devolverla a Gran Bretaña con la intención de educarla. Según la propia Elizabeth, aquello marcaría la ruptura definitiva entre su madre y ella.

Elizabeth fue enviada a Escocia, y tras pasar un tiempo con sus abuelos políticos (padres de su padrastro), y pasar por varias casas e internados, acabó internada en un colegio mayor femenino en Bath (Inglaterra).

Allí, el paso del tiempo y la correspondencia con su madre hicieron que tratase de recuperar la relación, así que cuando contaba dieciseis años, accedió a que su madre le hiciera una visita. Su madre llegó acompañada de un hombre con el que había iniciado una aventura en su viaje desde India, y además traía consigo una noticia: su padrastro y ella habían concertado un matrimonio entre Elizabeth y un anciano militar destinado en India, así que debía volver con ella para cerrar el trato. Ante esta situación, la adolescente buscó refugio en el acompañante de su madre que, contra todo pronóstico, le propuso matrimonio y huir juntos. Elizabeth accedió y se dieron a la fuga.

Curiosamente, la fuga la llevó de vuelta a Calcuta, el lugar donde estaba destinado su improvisado marido. Allí trató de labrarse una carrera aprendiendo a bailar, y optó por bailes exóticos para los británicos como lo era el flamenco. Así que cuando se separó de su marido pocos años después de regresar a India, intentó forjar una nueva identidad en Londres como bailarina profesional. Para ello, sirviéndose del color oscuro de su piel y pelo, se inventó un nombre, Lola Montez, una bailarina española que se habría visto forzada a emigrar a causa de las Guerras Carlistas. Sin embargo, no contaba con que alguien la pudiera reconocer como la viuda del teniente James, y cuando esto sucedió, decidió abandonar Londres y tratar de continuar su plan pero en París.

Retrato de Lola Montez realizado por Joseph Stieler y conservado en la Galería de las Bellezas del Palacio Real de Baviera. Fuente: Wikipedia.

En París era bastante menos probable que alguien pudiera reconocerla, así que, enmascarada en su nueva identidad, fue labrándose una carrera que le reportó notables beneficios. Muy pronto su belleza y carácter le abrieron un hueco en los círculos de escritores, músicos y aristócratas de la época. La lista de supuestos amantes era interminable, y muy pronto ganó fama como cortesana mientras encandilaba a hombres de toda clase con su «baile de la araña», ese que menciona la canción y que consistía en un striptease en el que Lola se iba quitando la ropa mientras fingía que una araña le recorría el cuerpo.

Blinding your eyes with her spider dance
Her performance utterly erotic subversive to all ideas
And for public morality

Su espectáculo, como dice la canción, levantaba mucha polémica en la doble moral de la época, y a menudo fue señalada por su falta de pudor, pero las habladurías no eran obstáculo para Lola. El problema llegó cuando alguien la reconoció de nuevo y, para colmo, uno de sus amantes murió en un duelo, así que decidió volver a coger las maletas y trasladarse de nuevo, pero esta vez a Múnich.

Wherever she walks
She will be captivating all the men
Don’t look in her eyes
You might fall and find the love of your life heavenly
But she’ll catch you in her web
The love of your life

Como dice la canción, dondequiera que fuera, cautivaba a todos los hombres, y aquello le reportaba grandes beneficios. Y aunque los comienzos en Múnich fueron algo complicados, en seguida consiguió cautivar a la persona adecuada.

Al llegar a Múnich consiguió un contrato en un teatro de la ciudad para representar el mismo espectáculo que le había llevado a la fama en Francia, sin embargo el propietario de la sala decidió rescindir el contrato escandalizado por su primer show. Indignada, Lola se plantó en el palacio del mismísimo rey Luis I de Baviera para que tomase cartas en el asunto. Y de la entrevista entre ambos aparecen muchas versiones, aunque todas ellas tienen más de leyenda que de realidad: según algunos el monarca le preguntó si su cuerpo era obra del arte o de la naturaleza, mientras que otros apuestan por un comentario aún más banal, si su pecho era real. En cualquier caso, todas las versiones de la leyenda confluyen en la misma respuesta por parte de Lola, que al parecer se rasgó el vestido con unas tijeras y dejó su pecho al aire frente al rey.

Luis I de Baviera retratado por Joseph Stieler. Fuente: Wikipedia.

Aquello marcó el inicio de una historia de amor y de escándalo: Lola se convirtió en la amante del rey y consiguió los contratos necesarios para retomar su espectáculo. La influencia de la bailarina en la corte bávara fue creciendo, y llegó incluso a obtener el título de condesa de Landsfeld. Y todo parece indicar que este habría sido uno de los motivos que llevaron a la abdicación del monarca durante la oleada revolucionaria de 1848. Forzada por la situación, una vez más comienza un periplo que le lleva a Suiza, Francia, Inglaterra, España… y finalmente se instaló en Estados Unidos.

En la costa oeste de Estados Unidos continuó durante algunos años con su profesión como bailarina y, de hecho, llegó a convertirse en propietaria de algunos locales de fiestas. Su éxito allí ya fue imparable, incluso se atrevió a probar suerte también en el otro extremo de los Estados Unidos, y en poco tiempo triunfó con el estreno de una obra en Broadway en la que contaba su propia historia, y con la publicación de un libro de consejos de belleza que se convirtió en seguida en un best-seller.

And cool as she was she didn’t care
See the miner throw his gold
Lifting her skirt howling loud like a wolf
Hell raising and full of sin
When Lola was dancing and showing her skin

Su estancia en Estados Unidos solo se vio interrumpida por un tour que realizó por Australia con el objetivo de entretener a los mineros y buscadores de oro que a mitad del siglo XIX trabajaban allí. Con este objetivo, llevó a distintos teatros y salas autralianas su famosa danza de la araña, y tras un show en Melbourne, ocurrió una anécdota a la que hace referencia la canción de Volbeat: el periodista Henry Seekamp escribió una crítica donde decía que el baile de Lola era «utterly subversive to all ideas of public morality» (completamente subersivo a todas las ideas de moralidad pública), frase que aparece citada literalmente en la canción. Aquello fue respondido por la propia Lola, que golpeó a Henry Seekamp con una fusta y lo llevó ante los tribunales, lo que le costó una pena de cárcel por difamación y que se viera obligado a vender su periódico. La canción resume el episodio tal que así:

Dear Henry taste my whip
Never to see any words you print

De todas sus relaciones, la que mantuvo con el rey Luis I de Baviera parece ser la que más sincera e intensamente vivió. Aunque no se reencontraron después de la abdicación y huida, se dice que el monarca conservó la réplica en mármol de un pie de Lola que besaba cada noche antes de dormir, y parece que llegaron a intercambiar alguna carta hasta el lecho de muerte de la propia Lola, que murió en Nueva York en 1861 siete años antes que el rey.

Oh Lola I’m sure that the love would have been
The key to all your pain
No words will later come
Did she spider bite your tongue

La causa de la muerte de Lola parece haber sido una neumonía, aunque ya algunos años antes había experimentado otro tipo de enfermedades, incluso mentales, como un brote de esquizofrenia. Al final de su vida parece que intentó reconciliarse con su auténtica identidad, pues en su tumba del cementerio de Brooklyn se puede leer «Mrs. Eliza Gilbert» sin mención alguna a Lola.

Lola Montez fotografiada en Estados Unidos. Fuente: magazinedigital.com

Desde luego, la de Lola no había sido una vida normal: amante de reyes, escandalizaba con sus comentarios y sus actos, fumando en público o paseando a su oso grizzly, montaba a caballo, golpeaba con una fusta a los hombres que se sobrepasaban con ella o que le hacían algún comentario impertinente y se le daba muy bien el tiro con revólver. Sin embargo, hay que llevar cuidado con las cosas que se cuentan de ella, pues, como ella misma advirtió en su autobiografía: «Si todo lo que se ha escrito sobre mí fuera cierto, merecería ser enterrada viva».

Elizabeth o Lola, lo que está claro es que, como dice Volbeat al final de su canción: We will surely not forget the Lola spider dance.

Bibliografía:

Morató, C. (2017). Divina Lola. Plaza & Janés.

Seymour, B. (2009). Lola Montez. A Life. Yale University Press.

Varyags of Miklagaard – Amon Amarth y la guardia varega

We return, we return, we return back home

De esta forma termina la canción «Varyags of Miklagaard» de la banda sueca Amon Amarth, publicada en su álbum Twilight of the Thunder God. Este grupo se caracteriza por tratar temas relacionados con la historia y la mitología vikinga, con los que se identifican, como puede verse en sus letras o a través de la propia estética de la banda. La canción que analizaremos a continuación es una muestra de ello, pues como dice esta frase “volvemos, volvemos a casa”.

Amon Amarth en directo. Fuente: Wikipedia. El montaje del escenario suele contener elementos vikingos (aunque los cascos no llevan cuernos).

¿De dónde vuelven? Comencemos por el principio.

Miklagaard has been our home for 20 years or more
We’ve lent our axes, spears and swords
In service of the emperor
We are loyal warriors
That’s the oath we gave
To protect the emperor even to a violent grave

La primera estrofa dice que «Miklagaard ha sido su hogar durante veinte años o más». Este lugar no es otro que la ciudad bizantina de Constantinopla. ¿Qué hacían unos vikingos viviendo tanto tiempo en un lugar tan alejado de su tierra natal?

A finales del siglo IX, grupos escandinavos se adentraron en el continente en busca de recursos, fundando ciudades y asegurando el territorio. Una parte de la actual Rusia occidental se convirtió en una colonia sueca y se establecieron cerca de los núcleos de Novgorod al norte y Kiev al sur. Sin embargo, estas ciudades no solo las poblaban vikingos suecos, sino que se mezclaron con el sustrato eslavo de la zona, siendo ambas culturas asimiladas y conocida en las fuentes antiguas como la Rus de Kiev.

En esta época, el Imperio romano de oriente o Bizancio era uno de los estados más ricos y mejor organizados, siendo Constantinopla una de las ciudades más grandes del continente. Esta ciudad se encontraba en una posición única donde confluían diversas rutas comerciales, por lo que bizantinos y vikingos pronto entrarían en contacto y muchos de ellos acabarían luchando como mercenarios para los emperadores de Bizancio. Además, el destino de muchos de estos vikingos fue el de componer la guardia personal del emperador, conocida como la guardia varega.

Guardia varega en una miniatura de la Crónica de Juan Escilitzes. Fuente: Wikipedia.

La canción está escrita desde la perspectiva de este cuerpo de élite que se dedicaba a la defensa del emperador «hemos prestado nuestras hachas, lanzas y espadas al servicio del emperador». ¿Quiénes son estos varegos? Por el nombre de su estado, los recién llegados escandinavos fueron llamados Rus o Rhos, mientras que otras fuentes eslavas y bizantinas los llamaban varegos. Originalmente, la guardia del emperador procedía principalmente de la Rus pero otros escandinavos como suecos, noruegos e islandeses fueron uniéndose a las filas. De forma gradual, las fuentes bizantinas comenzaron a diferenciar entre los rusos eslavos y los escandinavos, a quienes llamaban más comúnmente varegos. Aunque a los nórdicos se les conocía por ese nombre, pronto se convirtió en el sinónimo de mercenarios de origen nórdico.

En el año 860 se llevó a cabo el primer enfrentamiento entre rusos y bizantinos. El cual se saldó con un pacto en el 874 por el que se enviarían hombres al servicio militar bizantino. El segundo enfrentamiento entre ambos estados se produciría en el 970, con idéntico resultado. Es a partir de este momento en el que comienza la asistencia entre la Rus y Bizancio.

Un hecho de gran trascendencia ocurrió en el 987 cuando el militar Bardas Focas marchó sobre Constantinopla y el emperador Basilio II pidió ayuda al príncipe ruso Vladimir el Grande, quien envió 6.000 soldados en su ayuda. Posiblemente, la mayoría de estos guerreros fueran nórdicos, pues Vladimir hubo de reclutarlos de Noruega y Suecia para ascender al trono. Se establece, de esta forma, el punto de partida de la guardia varega propiamente dicha.

Our loyalty was always firm
We kept our given word
On these southern battlefields
Our northern war cries roared
Battles have been fought
Many gave their lives
But all who died by axe and sword
Were called to hall up high

Los emperadores necesitaban una guardia de élite que fuera leal a quien les pagaba; un regimiento de combatientes disciplinados y entrenados que, al ser extranjeros, se encontraran al margen de las intrigas regionales y palaciegas, además de alejarlos de las facciones políticas y religiosas que hicieran peligrar el poder del emperador.

Réplica de un icono del emperador Basilio II. Fuente: Wikipedia.

Las crónicas bizantinas exaltaron la leyenda de la guardia varega por ser guerreros venidos desde tierras lejanas cuya incorruptibilidad, lealtad y valentía les valió para obtener gran fortuna y reconocimiento. Amon Amarth así lo muestra en esta estrofa: «Nuestra lealtad siempre fue firme. Cumplimos nuestra palabra dada. En estos campos de batalla del sur nuestros gritos de guerra del norte rugieron». Además de hacer hincapié en la lealtad, la banda nos dice que estos guerreros participaron en batallas y muchos de ellos cayeron y lo cierto es que participaron de forma activa hasta el siglo XV en diversos enfrentamientos.

We set out from Svitjod’s shores
With dreams of fame and gold
And the work of weaving Norns
Was for us unknown

Al ser Amon Amarth suecos, la guardia varega con la que ellos se identifican es con la de la zona de Svealand, la región desde la que se formó el reino de Suecia «partimos desde las costas de Svitjod», la cual se encuentra en el centro-sur del país. En esta misma estrofa hacen referencia a las Nornas, divinidades que tejían los telares del destino, en la estrofa se da a entender que su destino es incierto.

Our time here is now at end
Our memories will stay
Of Miklagaard, our southern home
Until the end of days

Por último hay que destacar el fin del viaje de estos guerreros y la vuelta a casa. Muchos fueron los vikingos conocidos que pertenecieron a esta guardia del emperador de Bizancio. Uno de los casos más emblemáticos es el de Harald Hardrada, quien pasó parte de su vida en Bizancio al servicio de la emperatriz Zoe Porfirogeneta, participando en diversas batallas y ganando gran fama. Posteriormente volvería a su tierra natal y sería nombrado rey de los noruegos, llegando a perpetrar un intento de conquista de Inglaterra y siendo derrotado en la batalla de Stanford Bridge pero de eso, quizás, hablaremos más adelante.

Quizá el tema de esta canción te sonase de algo, y es que el grupo de folk metal finés Turisas también tiene una canción que trata a la guardia varega con el título The March Of The Varangian Guard.

Bibiliografía

Berend, N. (2007). Christianization and the Rise of Christian Monarchy: Scandinavia, Central Europe and Rus’ c.900–1200. Cambridge University Press.

D’Amato, R. (2010). The Varangian Guard 988–1453. Bloomsbury USA.

Duczko, W. (2004). Viking Rus: Studies on the Presence of Scandinavians in Eastern Europe. BRILL.

Franklin, S., & Shepard, J. (2014). The Emergence of Russia 750-1200.

Raffensperger, C. A. (2006). Reexamining Rus’: The Place of Kievan Rus’ in Europe, Ca. 800-1146. University of Chicago, Department of History.

Theotokis, G. Rus, Varangian and Frankish mercenaries in the service of the Byzantine Emperors (9th-11th c.): Numbers, Organisation and Battle Tactics in the operational theatres of Asia Minor and the Balkans. (s. f.).

Tubular Bells – Mike Oldfield y el Hombre de Piltdown

En 1973 el músico y compositor británico Mike Oldfield terminó su primer álbum: Tubular Bells. Sin embargo, el propio autor no terminó muy contento con su trabajo y, para manifestarlo, dedicó una canción a un «fósil»: El hombre de Piltdown.

Tubular Bells es, sin duda, una de las obras más conocidas de Oldfield (quizá porque parte de él sirvió para crear la icónica banda sonora de El exorcista). Sin embargo, Mike Oldfield tenía solo diecisiete años cuando lo compuso y era su primer álbum, su debut.

Portada de ‘Tubular Bells’ (1973).

Para comprender los orígenes del enfado de Oldfield, debemos presentar al segundo protagonista de esta historia: Richard Branson. El excéntrico multimillonario británico, propietario de la marca Virgin, fue quien apostó antes que nadie por Oldfield, brindándole la oportunidad de publicar su primer álbum. Sin embargo, no llegaron a conectar del todo. De hecho, desde el principio Branson no paraba de inmiscuirse en el trabajo de composición, proponiendo continuos cambios al joven, que no terminaba de sentirse cómodo trabajando con el empresario ni con el resultado de su trabajo.

Treinta años después de la publicación del álbum, en 2003, así lo manifestaba el propio Oldfield: «Lo cierto es que nunca me sentí plenamente satisfecho del resultado, ni con el sonido en general ni con la manera de tocar. Siempre creí que podría haber sido mucho mejor».

Mike Oldfield (izquierda) y Richard Branson (derecha) en el estudio de grabación. Fuente: The Guardian.

Una de las cosas que más incomodó al compositor fue la continua petición de Branson de introducir partes vocales en el disco. Eso no encajaba con su idea original: hacer un disco puramente instrumental. Pero tuvo que ir cediendo en algunas cosas. Y aunque esa era una línea que no parecía dispuesto a cruzar, finalmente aceptó introducir partes vocales, de forma que en el disco se pueden escuchar coros. Aunque eso sí, no dicen absolutamente nada. No hay letra.

Pero esto seguía sin contentar a los de Virgin y siguieron presionando a Oldfield. Un poco harto de la situación, el compositor encontró una salida que le sirviese como protesta, y escribió un pasaje de la parte II del disco con el título «The Piltdown Man».

Pero ¿qué es el hombre de Piltdown?

El hombre de Piltdown fue un supuesto fósil hallado en 1908 en Inglaterra que podría haber sido el famoso eslabón perdido y que habría situado a Gran Bretaña en un punto muy interesante de las investigaciones sobre la evolución humana al convertirse en el fósil más antiguo conocido hasta el momento.

Reconstrucción del cráneo del Hombre de Piltdown. Fuente: National Geographic.

Sin embargo, había algo que no encajaba a muchos investigadores: la mandíbula y el cráneo parecían de especies distintas. Aunque algunos llamaron la atención sobre este hecho, el fósil fue mundialmente conocido y existió cierto consenso en su veracidad hasta mediados del siglo XX. Fue entonces cuando algunos científicos tuvieron acceso a los restos y, tras un concienzudo análisis, descubrieron que se trataba en realidad de un fraude: alguien había unido la mandíbula de un orangután a un cráneo humano medieval. En definitiva, uno de los mayores escándalos de la historia de la ciencia.

Oldfield, cansado de lidiar con las presiones de la discográfica, tomó al hombre de Piltdown como referencia y, una noche de borrachera, decidió grabarse él mismo reproduciendo los sonidos que ese híbrido extraño habría producido. El lenguaje que podría haber hablado esa especie inventada. Y el resultado fue este pasaje en el que la música está acompañada por gruñidos y cosas ininteligibles.

De forma que al menos una parte de uno de los álbumes más conocidos de la historia de la música, se debió al alcohol y a un cabreo monumental. El tema de las drogas y el alcohol, que parece que siempre forma parte de la leyenda, en este caso está confirmado por el propio Mike Oldfield, que en una entrevista que conceció en 2014 a The Guardian, lo expresó así: «No tendríamos todas esas bonitas canciones como Lucy in the Sky with Diamonds [curiosamente una canción que dio nombre a otro fósil] y probablemente no tendríamos Tubular Bells sin drogas».

Curiosamente, a pesar de todos los cabreos de Oldfield con su productor, la relación con Virgin continuó hasta 1991, cuando se publicó el álbum Heaven’s Open aún con el sello de Branson. Su siguiente disco se publicaría ya en 1992 con Warner y llevaría por título, precisamente, Tubular Bells II. No obstante, aún en 2012 Oldfield volvería al redil de Virgin, ya entonces Virgin EMI Records, para publicar en 2014 Man on the Rocks.

Con drogas, gruñidos simiescos y un productor cabezota de por medio, el 25 de mayo de 1973 salió a la luz este primer álbum que, como dijimos, no contentó a su autor y que, sin embargo, se ha convertido en objeto de culto para los fans del rock progresivo.

Referencias

Benito, D. (2017). Historias de la Prehistoria. La Esfera de los Libros.

Ad Absurdum (2019). El Hombre de Piltdown. El fraudulento Brexit evolutivo.

Lester, P. (2014). «Mike Oldfield: ‘We wouldn’t have had Tubular Bells without drugs’«, en The Guardian.

Tombstone – Civil War y el tiroteo en O.K. Corral

A showdown in flames there in Tombstone again
There were rifles and guns they were cowboys for fun

Así comienza el estribillo de la canción «Tombstone» de la banda sueca Civil War, en él se habla de un tiroteo en un lugar llamado Tombstone (como el título de la canción), la cual se incluye en su álbum The Last Full Measure de 2016. Esta banda surge en 2012 cuando Rikard Sundén, Daniel Mullback y Daniel Mÿhr abandonaron Sabaton. La banda también se caracteriza por sus canciones basadas en hechos históricos. Volviendo al tema que nos atañe, ¿qué ocurrió en este pueblo y a qué se debió este intercambio de disparos?

Como podéis imaginar nos encontramos en el conocido como «salvaje oeste» en plena expansión de la frontera estadounidense hacia el Pacífico. La canción nos traslada a un pueblo minero localizado en Arizona llamado Tombstone (lápida), fundado en 1878-79 cuando el explorador Ed Schieffelin reclamó una veta de plata como suya. Posteriormente se encontraron más vetas y el pueblo comenzó a desarrollarse gracias a la llegada de buscadores de minerales.

Localización de Tombstone. Fuente: Google maps.

En 1879 se trasladaron a Tombstone los hermanos Virgil, Morgan, James y el famoso Wyatt Earp. El primero de los hermanos, Virgil, se estableció como deputy marshal o ayudante del alguacil en Tombstone. Un año más tarde, Virgil sería nombrado marshal y reclutó como ayudantes a Morgan y a Wyatt. Ese mismo año se trasladaron a la ciudad Doc Holliday y su pareja sentimental, Big Nose Kate, amigos íntimos de Wyatt Earp.

Los protagonistas

Doc Holliday had a very lousy day
Coughed real bad said someone has to pay
Big nosed Kate prayed for Doc Holliday

En esta primera estrofa se nos presenta a dos de nuestros protagonistas. Por un lado tenemos a Doc Holliday, considerado uno de los mejores pistoleros de la época. ¿De dónde proviene y qué relevancia tiene?

John Henry «Doc» Holliday nació en 1851 en el seno de una familia acomodada. A los diecinueve años fue a Filadelfia a estudiar odontología y allí se doctoró. Doc fue diagnosticado con tuberculosis y se mudó al suroeste, dónde el clima era más seco y caluroso. En 1873 se estableció en Dallas (Texas) y ahí comenzó a hacerse asiduo a los salones en los que bebía whisky y apostaba. Pronto, descubrió que el juego era más lucrativo que la odontología y Doc continuó viajando por la frontera minera del Oeste, lugar en el que el juego eral legal.

Doc Holliday. Fuente: Wikipedia.

En 1877 se trasladó a Fort Griffin, también en Texas, lugar donde conoció a Wyatt Earp y a la que sería su pareja sentimental Big Nose Kate, una prostituta de origen húngaro que conoció en un saloon. Un año más tarde, tanto Doc como Wyatt viajaron a Dodge City en Kansas para hacer dinero rápido con el juego. En septiembre de ese año, en una cantina regentada por Holliday, Wyatt Earp tuvo un incidente con unos hombres, Doc salió pistola en mano y ahí sellaron su amistad.

En septiembre de 1880, Doc Holliday y Big Nose Kate se trasladaron a Tombstone, lugar en el que sus amigos los Earp se estaban enfrentando a una banda de cowboys que le causaban problemas. Pronto entraron en la espiral de violencia que se vivía en el pueblo.

Big Nose Kate. Fuente: Wikipedia.

Durante su estancia en Tombstone ocurrió el famoso tiroteo en O.K. Corral, sobre el que habla la canción, pero primero tenemos que remontarnos a momentos antes de la llegada de Doc a Tombstone.

Los hermanos Earp eran el brazo de la ley y tuvieron problemas con los clanes de los Clanton y los McLaury, quienes habían vendido un lote de ganado en Tombstone y, según Virgil, el lote era robado de unos ranchos mexicanos. Además, Wyatt tenía la sospecha de que los Clanton le habían robado uno de sus mejores caballos. Por su parte, los Clanton también tenían problemas con los Earp, pues sabían que habían matado a su padre en un incidente. Paralelamente, Wyatt también entró en conflicto con el sheriff John Behan, frente al que iba a concurrir en las siguientes elecciones.

Hubo un incidente que desencadenó la guerra entre los Earp y los Clanton y McLaury, el del asalto a una diligencia en marzo de 1881 en el que murieron dos personas. En este asalto un sospechoso se fugó de la cárcel y Doc Holliday fue detenido por el sheriff Behan acusado falsamente por Big Nose Kate tras una riña de pareja. Doc fue puesto en libertad porque la acusación no se sostenía y se basaba en el falso testimonio de Kate. En septiembre de ese mismo año, Virgil arrestó a uno de los ayudantes de Behan, Frank Stilwell, bajo la acusación de asalto a una diligencia.

El 25 de octubre Ike Clanton y Tom McLaury llegaron a Tombstone y ese mismo día Doc Holliday protagonizó una discusión con Ike en el Alhambra Saloon. Aunque Holliday quería un duelo, Clanton lo rechazó. Al día siguiente tanto Ike como Tom fueron arrestados por Virgil bajo la acusación de portar armas de fuego en la ciudad (lo cual estaba prohibido). A la mañana siguiente fueron puestos en la libertad y se reunieron con Billy Clanton, Frank McLaury y Billy Clairbone en un solar junto a O.K. Corral.

Se masca la tragedia, pues como dice la siguiente estrofa, los hermanos Earp y Doc Holliday hicieron su aparición en el lugar donde se encontraban reunidos Ike y Billy Clanton, Tom y Frank McLaury y Billy Clairbone.

O.K. Corall they were there to give them hell
The three brothers Earp this could never end up well
Legends foretell ‘bout O.K. Corall

El tiroteo

Virgil decidió desarmar a los recién llegados y para ello contó con la ayuda de sus hermanos y de Doc. El sheriff Behan, quien se encontraba en la ciudad, fue a poner orden y urgió a Billy y Frank que entregaran las armas. Sin embargo, ellos se negaban si los Earp no entregaban las suyas. Por su parte, el sheriff fue al paso de los Earp para detener el enfrentamiento con poco éxito.

A showdown in flames there in Tombstone again
There were rifles and guns they were cowboys for fun
A showdown in flames here in Tombstone my friend
These were tough boys to break three more coffins to make

Tras una discusión comenzó el tiroteo que duró unos treinta segundos y en el que se utilizaron unas treinta balas. La historia del tiroteo es sesgada y no se sabe con certeza qué ocurrió exactamente. Al parecer, Billy Clanton disparó a Wyatt errando y siendo posteriormente abatido por Morgan. Wyatt disparó a Frank McLaury, hiriéndole de muerte en el estómago. Estos dos continuaron disparando antes de fallecer hiriendo a Virgil, Morgan y Doc. Por su parte Ike, Billy Clairbone y Tom, que estaban desarmados, huyeron a la carrera pero Doc alcanzó al último con un disparo en la espalda.

Esta estrofa nos dice «tres ataúdes más para hacer» refiriéndose a los tres caídos en la refriega: Billy Clanton, Frank y Tom McLaury. La opinión pública se puso de lado de los cowboys, pues consideraban que los Earp solo vigilaban por sus intereses y eran unos matones.

Tom McLaury, Frank McLaury y Billy Clanton. Fuente: Wikipedia.


No one cared no one cared
Who will die who will live who will piss on your grave


No one cared no one cared
There’s no law there’s no order this is Mans Land
Die! Die! Say goodbye!

La venganza

Ride sheriff ride many outlaws have to die
Seek and destroy let the lonely widows cry
It’s vendetta time so ride sheriff ride

Después del tiroteo se sucedió un juicio en el que declararon inocentes a los Earp y a Holliday. Pronto comenzarían las represalias, pues el 18 de marzo de 1882, Morgan Earp fue asesinado mientras jugaba al billar por el ayudante del sheriff Frank Stilwell y poco después Virgil sería herido de gravedad en el brazo izquierdo, el cual perdió.

Wyatt Earp. Fuente: Wikipedia.

Como dice la canción, «es la hora de la venganza», un episodio conocido como «el paseo de la venganza de los Earp». Después de que hirieran a Virgil, Wyatt lo convenció para volver a casa con su familia y pasar allí el resto de sus días junto a su mujer Allie. Para ello reunió a algunos amigos y llevó a la pareja a la estación de tren de Contention para ir a California. Por supuesto, entre sus amigos se encontraba Doc Holliday, como dice la siguiente estrofa «él siguió a sus amigos, es la hermandad de los hombres».

Doc Holliday had a very lousy day
He followed his friends it’s the brotherhood of men
Big nosed Kate cried for Doc Holliday

En Contention se enteraron de que los cowboys Ike Clanton, Billy Miller y Frank Stilwell (el acusado de matar a Morgan Earp) se encontraban en Tucson y observaban cada tren que pasaba, además, iban armados con escopetas recortadas ocultas. Esta ciudad se encontraba en la ruta hacia California y Wyatt y sus amigos decidieron escoltar a la pareja.

Cuando llegaron a la ciudad vieron a los cowboys desaparecer y la compañía de Wyatt siguió escoltando a la pareja hasta que cogieran el tren de enlace. Una vez que Virgil y Allie se subieron al tren, Wyatt, quien vigilaba fuera vio a Frank Stilwell y a otro hombre que creyó reconocer como Ike Clanton con las escopetas preparadas. Wyatt concluyó que iban a disparar contra su hermano y actuó persiguiendo a Stilwell y matándolo. El cadáver fue encontrado al día siguiente repleto de agujeros de bala.

I’m gonna leave you for a while now honey
I’m gonna spend some time
Where bullets fly where doctors die

En esta estrofa Doc se dirige a Kate para despedirse de ella «voy a dejarte por un tiempo, cariño. Voy a pasar tiempo dónde las balas vuelan y los doctores mueren». La realidad es que Holliday acabó muriendo de tuberculosis y no asesinado por increíble que parezca. Aunque sí fue el momento de despedida de la pareja. Esta venganza no se quedó solo en Tucson sino que más tarde volvieron a Tombstone dónde les esperaba una orden de detención por homicidio. La banda de Earp conoció esta información antes que el sheriff Behan y consiguió huir de la ciudad. Más tarde la banda participó en otros tiroteos como el de Iron Springs.

El tiroteo en el O.K. Corral fue uno de los más legendarios enfrentamientos de la historia del salvaje oeste. Ha sido llevado al cine en diversas ocasiones como en Pasión de los fuertes, Duelo de titanes, Duelo a muerte en OK Corral, Tombstone o Wyatt Earp, entre otras; también aparece en la literatura, música y juegos como Bang!.

Actualmente, la ciudad de Tombstone sigue existiendo y tiene como lema «La ciudad demasiado dura para morir».

Bibliografía

Clavin, T. (2020). Tombstone: The Earp Brothers, Doc Holliday, and the Vendetta Ride from Hell. St. Martin’s Publishing Group. Doval, G., &

Huecas, G. D. (2009). Breve historia de los cowboys. Ediciones Nowtilus.

Huecas, G. D. (2010). Breve historia del salvaje oeste. Pistoleros y forajidos: Billy el niño, Jesse james, los Dalton, Wyatt Earp, Doc Holliday, Buffallo Bill, todos los personajes, las historias, los tiroteos, los duelos y escaramuzas de aquellos hombres que con el revólver en la mano forjaron su leyenda. Ediciones Nowtilus.

S.L. McLachlan, S. (2013). Tombstone: Wyatt Earp, the O.K. Corral, and the Vendetta Ride 1881–82. Bloomsbury Publishing.

Wilcox, V. (2020). The World of Doc Holliday: History and Historic Images. Rowman & Littlefield.

53 Nations – Heaven Shall Burn y las Brigadas Internacionales

So many sons and daughters, poised to attack,

Born in distant fatherlands

Marching under the heavens of Spain

Así comienza la canción de Heaven Shall Burn «53 Nations»: Tantos  hijos e hijas, preparados para atacar. Nacidos en patrias lejanas, marchando bajo los cielos de España. De entrada, podría parecer sorprendente que un grupo de metalcore o death metal alemán comience una canción con estos versos, pero en realidad la sorpresa se disipa en cuanto conocemos a los componentes de Heaven Shall Burn y a qué se refiere la canción.

Portada del álbum ‘Veto’ (2013) de Heaven Shall Burn. La canción «53 nations» es la penúltima del disco.

Estos alemanes nunca han ocultado su simpatía por movimientos progresistas, dedicando canciones a personalidades como Salvador Allende o Víctor Jara, e incluyendo mensajes en sus letras en contra del racismo o el fascismo y en favor de los derechos de los animales, mensajes ecologistas y en apoyo a distintas causas solidarias. Pero ¿qué tiene todo esto que ver con España y con esta canción?

Comencemos por el título: 53 naciones son el total de procedencias de los voluntarios que integraron las Brigadas Internacionales que acudieron a España durante la Guerra Civil para apoyar al bando republicano. Pero si todo esto no te suena de nada, permítenos hacer una pequeña contextualización:

Nos trasladamos a la década de los treinta, un momento en que la crisis provocada por el Crac del 29 en Estados Unidos ha agravado la situación económica de los países participantes en la Primera Guerra Mundial. La sociedad, desconfiando de la democracia liberal, se polariza en favor de los movimientos comunistas, que tienen como referente la recién nacida Unión Soviética, y los movimientos de corte fascista, que han llegado al poder en Italia (1922), Portugal (1932) y Alemania (1933).

En España, una parte del ejército y las élites burguesas conservadoras se han puesto de acuerdo para dar un golpe de Estado contra el gobierno republicano. Un golpe que pretendía hacerse con el poder en poco tiempo pero que, fracasando en buena parte del territorio español, ha dado lugar a una guerra que se alargará durante tres años (1936-1939).

En este contexto, el gobierno de la República española lanza varias peticiones de ayuda a la comunidad internacional. Sin embargo, por aquel entonces Reino Unido y Francia trataban de contener a la Alemania nazi a través de una política de apaciguamiento, motivo por el cual Francia propuso la creación del Comité de No Intervención, que inmediatamente fue apoyado por Reino Unido, con el fin de evitar la intervención extranjera en el conflicto español. Su intención era evitar una guerra a gran escala entre las democracias europeas y los nuevos países fascistas. Sin embargo, Alemania, Italia, Portugal y la Unión Soviética rechazaron el acuerdo.

Esto benefició enormemente al bando sublevado, que se convirtió en el principal receptor de la ayuda internacional, mientras las democracias daban la espalda a España. Ante esto, la Unión Soviética, al frente de la Internacional Comunista, lanzó un llamamiento a voluntarios de todo el mundo a la que respondieron personas de ese total de 53 naciones que dan título a la canción.

And without fear go to the barricades

Brothers and sisters in arms

Y, sin miedo, id a las barricadas, hermanos y hermanas en armas.

La organización de esas brigadas de voluntarios no fue ni mucho menos algo improvisado, sino que estuvo perfectamente organizado, en especial por parte del Partido Comunista Francés y su dirigente André Marty. En distintos países los partidos comunistas, coordinados desde Moscú, montaron oficinas de reclutamiento y pusieron los medios necesarios para el transporte, armamento y adiestramiento de personas que, en su mayoría, no tenían experiencia militar.

El 12 de octubre de 1936 llegó a Alicante el primer barco con 500 voluntarios que, desde allí fueron conducidos en tren hasta Albacete. Esta ciudad se convertiría a partir de entonces en la sede de las Brigadas Internacionales, donde se procedería a la formación y adiestramiento de estos voluntarios.

Bandera de las Brigadas Internacionales.

Esta fue, a juicio de muchos brigadistas y autores posteriores, el momento en que muchos de aquellos voluntarios se desilusionaron, ya que la formación era especialmente disciplinada, y pasaba no solo por una preparación física y técnica, sino también por una formación ideológica, ya que la máxima comunista era que un soldado solamente lucharía bien si sabía perfectamente por qué estaba combatiendo. Muchos de ellos, al emprender el viaje, no esperaban tener que pasar por tal preparación ni atender a una disciplina tan rígida.

La mayor parte de quienes vinieron a España a luchar de forma voluntaria lo hicieron motivados por el ideal de la lucha antifascista, que los hizo viajar desde lugares tan lejanos como Estados Unidos, Colombia, China, Chile, Brasil, Irak o Nueva Zelanda. Muchos de ellos, aunque dirigidos y adiestrados por partidos comunistas, no eran adeptos a esta ideología, sino que su único objetivo era frenar el ascenso del fascismo en Europa, y en muchos casos se trataba de extranjeros, como alemanes o portugueses, que ya habían perdido este combate en sus países de origen, de hecho el mayor contingente lo suponían voluntarios italianos. Quizá por ello la canción haga esta aseveración:

This is the reckoning

Now only hatred fills our hearts

Raising the colours of freedom

Esto es el ajuste de cuentas, sentencia el primer verso de la estrofa.

Brigadistas en 1937. Fuente: Wikipedia.

El total de brigadistas que llegaron a España a luchar sigue siendo objeto de debate: si bien hasta hace algún tiempo se hablaba de cifras por encima de los 50.000, a día de hoy los principales autores no le dan más de 41.000, muy por debajo de las cifras de soldados extranjeros que asistieron a las fuerzas rebeldes por parte de Italia y Alemania. Y a pesar de no ser un número elevado, los brigadistas sí que presentaron un porcentaje de bajas (15 por ciento) muy superior al del resto de cuerpos que participaron en el conflicto (6 por ciento).

In ruthless fights, I saw my best friends die

Now buried far away, so far away from home,

Lionhearted soldiers, no one shall forget their names

En luchas despiadadas, vi morir a mis mejores amigos. Ahora, enterrados lejos, muy lejos de casa. Soldados con corazón de león, nadie olvidará sus nombres.

Muchos autores explican el elevado número de bajas por su grado de implicación en el combate. Precisamente ese idealismo al que antes hicimos referencia les habría llevado a convertirse en la principal fuerza de choque del bando republicano, interviniendo en algunas de las batallas más duras de todo el conflicto.

Understanding what the world still had to learn

No mercy to the villains,

Defending the republic infected by a fascist pestilence

Entendiendo lo que el mundo aún no había entendido, sin piedad para los villanos, defendiendo la república infectada por una pestilencia fascista.

Pero fue precisamente esa determinación antifascista la que les valió un recuerdo en la memoria colectiva no solo de los españoles, pues la imagen de los brigadistas se ha convertido en un tema muy explotado en otros países de Europa, así como en Estados Unidos. No en vano, en este caso se trata de un grupo alemán que se hace eco de ellos.

Sin embargo, a juicio de autores como Anthony Beevor, esta explotación ha supuesto una cierta deformación de la realidad histórica. Así, por ejemplo, a menudo se alude a los miembros de las Brigadas Internacionales como intelectuales de clase media, pero esto es más un tópico romántico que una realidad. El propio Beevor recoge datos que contradicen esta idea, como por ejemplo el hecho de que el 80 por ciento de los voluntarios procedentes de Gran Bretaña fueran obreros manuales desempleados en el momento en que se sumaron a la causa. Esto, desde luego, no debe suponer un descrédito para ellos o su causa, todo lo contrario.

This righteous fight reveals your shame,

Delivered to oblivion, those who fought a horrid beast

Homecoming held no glory and silence covers ours tombs

Scorned and despised, left and denied, but still do I defy

Las últimas brigadas fueron reagrupadas y disueltas a lo largo de la segunda mitad de 1938, y tras la disolución muchos brigadistas fueron considerados poco más que mercenarios de vuelta a casa, de ahí esa mención en la canción: el regreso a casa no tuvo gloria y el silencio cubre nuestras tumbas. Obviamente esto no fue así en los países comunistas, donde lejos de ser mal vistos, fueron condecorados como héroes, pero en otros lugares no gozaron de esa consideración. Despreciado, abandonado y rechazado, que dice la canción. En muchos países no fueron reconocidos hasta tiempos recientes

Desfile de despedida a las Brigadas Internacionales en Barcelona en octubre de 1938. Fuente: Wikipedia.

Tanto es así, que para algunos suponía un problema la vuelta a casa: obviamente aquellos que provenían de países bajo una dictadura fascista, pero también otros procedentes de países como Canadá sabían que deberían responder ante leyes que penaban el haberse unido a un conflicto armado que no contaba con respaldo estatal y que, en consecuencia, serían juzgados. En muchos de estos casos, los brigadistas optaron por pedir auxilio en terceros países o bien continuar con su lucha antifascista en otros puntos, en especial sumándose a la Segunda Guerra Mundial en cuanto esta estalló.

La canción termina con un alegato puesto en boca de los brigadistas que, conociendo a Heaven Shall Burn, no pretende únicamente servir de homenaje a estos combatientes, sino también de motivación para la lucha antifascista en la actualidad.

I still resist and fight your apathy,

And still I fight

La canción

La canción en el canal oficial de YouTube de Heaven Shall Burn

Bibliografía

Beevor, A. (2011). La guerra civil española. Planeta.

Payne, S. (2011). ¿Por qué la República perdió la guerra? Espasa.

Preston, P. (2017). La guerra civil española. Debolsillo.

Preston, P. (2008). Idealistas bajo las balas. Debolsillo.

Thomas, H. (2010). La guerra civil española. Debolsillo.

Tusell, J. (2012). Historia de España en el siglo XX. 2. La crisis de los años treinta: República y guerra civil. Taurus.

Sputnik – Ignea y el Sputnik 1

Un 4 de octubre de 1957, en Kazajistán, se lanzó un cohete hacia el espacio desde el Cosmódromo de Baikonur. Este cohete contenía el primer satélite artificial que iba a ser puesto en órbita por el ser humano. A los 5 minutos y 40 segundos, el Sputnik 1 se separaría del cohete y poco después quedaría estabilizado, lo que supuso el éxito de la misión.

La canción que analizaremos a continuación es Sputnik, de la banda ucraniana de metal oriental Ignea (anteriormente conocidos como Parallax). Este tema se incluye en su primer EP, publicado en 2013. Este Extended Play se compone de cuatro canciones de temática espacial: Sputnik, Firebird, Mind the Past y Planet War.

El lanzamiento

A lo largo de la década de 1950 se planteó la idea de enviar satélites al espacio y en 1957 tanto Estados Unidos como la Unión Soviética tenían la capacidad para lograr este objetivo. En ambos países se trabajaban en los programas Vanguard y Sputnik.

El 20 de septiembre del mismo año se aprobó el lanzamiento del satélite Sputnik 1 para el día 6 de octubre. Sin embargo, la inteligencia soviética conoció que EEUU planeaba un lanzamiento suborbital para el mismo día, por lo que la fecha se adelantó al 4 de octubre.

La canción comienza con un locutor de radio que retransmite el mensaje del éxito de la puesta en órbita del Sputnik. En esa locución se describe el objeto y las fases del lanzamiento de la siguiente manera: «Hoy, una nueva luna está en el cielo: una esfera de metal de 23 pulgadas puesta en órbita por un cohete ruso. Aquí la concepción de un artista de cómo se logró la hazaña: un cohete de tres etapas: número uno, el propulsor de la clase de misiles intercontinentales; con un peso estimado de 50 toneladas. Una segunda etapa más pequeña tomó el control a 5.000 millas por hora y continuó hasta el punto más alto alcanzado. A 500 millas de altura, la luna artificial se impulsa a una velocidad que contrarresta la fuerza de la gravedad y se libera».

El artista que concibe el proyecto es Serguéi Koroliov, ingeniero soviético que diseñó el satélite y que decidió adelantar su lanzamiento del día 6 al 4 de octubre.

A continuación podemos observar un diagrama de cómo se realizó este lanzamiento.

Diagrama con el lanzamiento del Sputnik 1. Fuente: La Vanguardia.

El Sputnik 1

Iron head, iron spears
Spread out from sides away
Shiny globe without fears
Flies over skies again

En esta primera estrofa Ignea hace una descripción del satélite en la que dicen que su cabeza es de hierro, al igual que sus antenas (a las que llaman lanzas). No obstante, el Sputnik estaba fabricado en aluminio y se trataba de una «cabeza» esférica de 23 pulgadas dividida en dos hemisferios, es decir, las dos partes de la esfera se unían en el centro con pernos. En los laterales se acoplaban unas antenas de 2,4 y 2,9 metros. El recubrimiento exterior estaba pulido como apuntan en la estrofa «globo brillante sin miedos» el cual vuela sobre el cielo.

Con respecto a su vuelo, podemos destacar los 947 km de altitud que alcanzó en su punto más alejado de la órbita, realizando una vuelta a la Tierra en 96 minutos y medio, con una trayectoria de 65º en relación al ecuador y un movimiento en contra de las agujas del reloj.

Soviet star first of all
Was in the boundless space
But what if it’s sign of call
The first assigned phrase?

Efectivamente, la «estrella soviética» fue la primera de todas en ponerse en órbita en este «ilimitado espacio» y también fue la primera en mandar una serie de comunicaciones a la Tierra. Muchos estadounidenses afirmaron escuchar un molesto «bip…bip…» el 5 de octubre y en días posteriores. La realidad es que el satélite llevaba incorporado una serie de instrumentos que enviaban transmisiones de radio cuya duración era 0,3 segundos y que se pueden escuchar a continuación.

Las consecuencias políticas

Sputnik, Sputnik
The signal from the other ones
Sputnik, Sputnik
They hadn’t any red stars
Sputnik, Sputnik
The greetings from above
Sputnik, Sputnik
Alien tapering throw

Del estribillo nos quedamos con la frase «ellos no tenían ninguna estrella roja» ya que está cargada de simbolismo. Aunque el satélite era color plateado la «estrella roja» es una clara referencia a la URSS y los «otros» son Estados Unidos, con quienes competían en esta carrera espacial.

La puesta en órbita del satélite soviético provocó un cambio en la idea de que los ingenieros y científicos estadounidenses eran los mejores del mundo. Muchas fueron las voces que se preocuparon por esta situación puesto que consideraban el acto como una gran derrota de los Estados Unidos frente al enemigo soviético.

Nikita Jrushchov se consolidó como el hombre fuerte de la URSS en ese mismo año y en los días posteriores al lanzamiento del Sputnik realizó una serie de declaraciones que ahondaban en la herida que suponía para los estadounidenses la superioridad científica rusa.

En los días posteriores los periódicos debatían acerca de si el equilibrio de fuerzas se había decantado en favor de la URSS como podemos observar en el siguiente fragmento:

Fragmento del periódico La Vanguardia del 9 de octubre de 1957 (cinco días después del lanzamiento). Fuente: La Vanguardia.

Cuando el mundo estaba asimilando la situación de que la Unión Soviética tenía un panorama científico igual o superior al de los norteamericanos, el 3 de noviembre del mismo año, la URSS volvió a sorprender al mundo enviando un segundo satélite al espacio, el Sputnik 2, el cual llevaba a bordo al primer ser vivo que fue puesto en órbita: la perra Kudryavka o Laika.

Esto supuso que el presidente Eisenhower hiciera un comunicado en el que, aunque reconocía los avances científicos de la URSS, resultó un ataque hacia el comunismo. En sus propias palabras «Conocemos su riguroso sistema educativo y sus logros tecnológicos. Pero vemos todo esto sucediendo bajo una filosofía política que pospone una y otra vez la promesa a cada hombre de que se le permitirá ser él mismo y disfrutar según sus propios deseos del fruto de su propio trabajo». Además, en ese mismo discurso hizo una alabanza al sistema educativo norteamericano e insistió en la necesidad de tener más científicos.

El lanzamiento de los Sputnik 1 y 2 sirvió como propaganda política que fluyó en todas direcciones. Incluso hubo expertos que pusieron en duda la veracidad de la puesta en órbita de los satélites, tomándolo como un elemento de propaganda soviética.

Fragmento del periódico ABC de 10 de noviembre de 1957. Fuente: ABC.

El resto de la canción ya no resulta tan interesante para analizar, pues fantasea con ideas de ciencia ficción. No obstante, ¿qué fue del Sputnik 1? Tras noventa y siete días en órbita, descendió a tierra y se calcinó, llegando a recorrer setenta millones de kilómetros.

Bibliografía

Crompton, S. W. (2007). Sputnik/Explorer I: The Race to Conquer Space. Infobase Publishing.

Harvey, B. (2007). The Rebirth of the Russian Space Program: 50 Years After Sputnik, New Frontiers. Springer Science & Business Media.

Sparrow, G. (2009). Spaceflight: The Complete Story from Sputnik to Shuttle–and Beyond. DK Pub.

Wallada la Omeya – Saurom

A menudo, cuando abrimos un libro de historia, es realmente difícil encontrar una mujer que no aparezca completamente sexualizada o adoptando un rol en relación a un hombre, pero esto se hace aún más difícil cuando hablamos de la Edad Media y, más concretamente, de Al Ándalus. Sin embargo, las hubo, y algunas muy importantes, y aunque durante mucho tiempo quedaron silenciadas, algunas comienzan a recuperar el espacio que se merecen, y a esta causa tiene mucho que aportar la música popular.

Afortunadamente, grupos de heavy metal como los gaditanos Saurom, aportan su granito de arena a la causa recuperando una de esas figuras a través de su canción “Wallada la Omeya”, con letra de Narci Lara y música de Raúl Rueda.

La canción «Wallada la Omeya» en el canal oficial de YouTube de Saurom.

Este tema es la séptima pista de su álbum Once romances desde Al-Ándalus, en el que Saurom hace un tributo a su tierra, Andalucía, recuperando poemas y leyendas de autores andaluces como Bécquer, Góngora o García Lorca, o dedicando directamente letras propias a Andalucía y algunas de sus figuras más ilustres, como ocurre con la primera canción, “Reina de la oscuridad”, o este “Wallada la Omeya”.

Portada del disco ‘Once romances desde Al-Ándalus’ de Saurom.

Pero ¿quién fue Wallada? Pues vamos a descubrirlo de la mano de Saurom: la canción comienza con la siguiente estrofa:

Poetisas del mundo

Bienvenidas a esta tierra

Princesa de imperios

Que ni el cielo hace mella

Wallada la Omeya es el nombre con que ha pasado a la historia, aunque su nombre real era Wallāda bint al Mustakfī, y efectivamente alcanzó la fama gracias a su poesía, de ahí que la canción comience dando la bienvenida a las poetisas del mundo a Andalucía. Pero, ¿por qué eso de “princesa”? Pues no se trata de una licencia del grupo, no es un ornamento, sino que Wallada realmente fue princesa.

Nuestra protagonista era hija de Muhammad al-Mustakfī, califa de Córdoba durante un brevísimo período de tiempo, unos diecisiete meses entre 1024 y 1025, bajo el nombre de Muhammad III. Acabó sus días destronado y asesinado por las fuerzas de Yahya I al-Muhtal.

La poetisa heredó de su padre el epíteto de “la Omeya”, pues el califa, al ser bisnieto de Abderramán III, pertenecía a esta dinastía. Sin embargo, Wallada solo era Omeya por parte de padre, ya que su madre era una esclava que servía en la corte. Esto, que puede resultar curioso, era en realidad bastante habitual en la época, y muchos califas andalusíes fueron hijos de califas y esclavas.

Narci Lara, autor de la letra de la canción «Wallada la Omeya» durante un concierto. Fuente propia.

De su educación se encargó el poeta Ibn Hazm, autor de la que probablemente es la obra literaria de más importancia en Al Ándalus, El collar de la paloma. Este, al darse cuenta de la inteligencia de su alumna, en seguida la introdujo en el mundo de la poesía. Y, según se dice, fueron precisamente sus versos los que la salvaron cuando se produjo la caída de su padre. Tanto le gustó la poesía de la joven al nuevo califa, que decidió mantenerla en la corte como invitada.

Siguiendo con la canción, la segunda estrofa nos dice:

Mi fragua es el corazón

Forjo suspiros en añil

Los astros sienten el rencor

De que una dama sea así.

Los confines del silencio

Atesoran mis secretos.

Parece que existe un consenso en la enorme calidad literaria de los versos de Wallada, versos de un carácter muy personal, en los que la cordobesa volcaba todas sus emociones y sentimientos sin censura.

También son varias las fuentes que coinciden en señalar la belleza de esta mujer, quizá de ahí proceda esa referencia al “rencor” que sienten “los astros”. Pero además de su belleza, Omeya poseía otras características que hacían de ella un personaje realmente singular para su tiempo: las fuentes hablan de ella como una mujer realmente libre, que se sentía libre para opinar y actuar, por lo que a menudo sus contemporáneos, e incluso historiadores posteriores, la definen como libertina, ligera, poco cuidadosa, y demás apelativos que, sin duda, obedecen a una visión arcaica de lo que debía ser una mujer.

Un ejemplo claro del carácter y personalidad de Wallada es que siendo muy joven regentó un salón literario que sirvió de lugar de encuentro de los más famosos escritores de la época. Y convirtió su hogar en una escuela para chicas jóvenes, incluidas esclavas.

Así, no debe extrañarnos el alegato que hace Saurom en el estribillo de la canción:

Va demostrando a la vida que puede triunfar

Porque es mujer, mujer…

Va encarando injusticias por la libertad

Mujer, mujer…

Desde luego, Wallada se convirtió en su tiempo en una de las mujeres más respetadas y alcanzó una notable fama gracias a sus versos. Por lo que sí que podemos hablar de un triunfo. De hecho, con la llegada al poder de Abderramán V, este le otorgó un puesto como consejera.

Saurom (con Wyrdamur) durante su concierto en el Leyendas del Rock 2013. Fuente propia.

Sin embargo, su fuerte carácter también se plasmaba en algunos de sus versos, que han sido definidos por literatos de distintas épocas como demasiado soeces, irónicos, violentos, obscenos… motivo por el que quizá su poesía no gozó de tanta repercusión posterior, siendo rechazada en antologías y colecciones.

Las mangas bordadas

Con su lema, su poesía

Merezco grandeza

Gran respeto y cortesía.

En este punto de la canción, Saurom hace mención a un aspecto que siempre se ha dicho de Wallada, y es que la poetisa se hacía grabar sus propios versos en sus vestidos. Concretamente, algunas fuentes se refieren a un dístico que llevaba bordado en la manga izquierda de un vestido que decía: «Por Alá, que merezco cualquier grandeza y sigo con orgullo mi camino«, de ahí el resto de la estrofa. Sin embargo, en la actualidad son varios los autores que ponen en duda la autoría de dichos versos, ya que la historia de Wallada, como veremos, ha sido muy ornamentada en tiempos posteriores.

Filosofía de mujer

Genio sincero y luchador

Reivindicando humanidad

Exhibe su talento atroz.

En efecto, existen motivos para considerar que algunos de los versos que tradicionalmente se han atribuido a ella, en realidad sean añadidos de otros autores en tiempos posteriores. A día de hoy existen tan solo unos pocos poemas que los estudiosos de la materia atribuyen a ella sin dudar, y la mayor parte consisten en sátiras. Pero el acontecimiento que marca su vida y que hace que hoy se dude tanto de buena parte de su obra aparece recogido en los siguientes versos de la canción:

El amor envenenado

No hará ascuas mi reinado.

Ese amor envenenado al que alude Saurom es la relación que la poetisa mantuvo con el también poeta Ibn Zaydūn. Son muchas las relaciones que se conocen de Wallada con hombres, incluso alguna se ha especulado también con mujeres, sin embargo, nunca llegó a casarse. Y de entre todos sus amantes, destacó él, Ibn Zaydūn.

Este hombre accedió a ella a través de sus versos, enviándole poemas, y pronto comenzaron una relación que acabó bastante mal y de la que nos dan muestra los propios versos conservados de la cordobesa.

En la actualidad, en la ciudad de Córdoba existe este monumento que conmemora el amor entre los dos poetas. Fuente: verpueblos.com.

Al parecer, Ibn Zaydūn comenzó otra relación con una esclava, aunque según otras versiones Wallada habría sido la primera en ser infiel. En cualquier caso, existió una infidelidad y una ruptura de lo más tortuosa, ya que Wallada comenzó entonces un acercamiento a quien sería su protector hasta el fin de sus días, Ibn ‛Abdūs, que pertenecía a una facción política contraria a la de Zaydūn, y desde su posición de ministro consiguió que detuvieran al poeta y le arrebataran todas sus posesiones. No obstante, Zaydūn acabaría sus días dedicando versos a Wallada solicitándole su perdón.

Pero Wallada nunca le perdonó, y entre la obra atribuida a ella, encontramos versos que, de forma poco amable, definen a su antiguo amante como «sodomita activo y pasivo, rufián, cornudo, ladrón y eunuco que se prenda de los paquetes de los pantalones».

La relación entre los dos poetas fue tan sonada ya en su época, que pronto empezó a reflejarse en obras de otros literatos que, poco a poco, fueron añadiendo detalles tales como peleas, otras relaciones de infidelidad, encuentros amorosos y, lo que más difícil hace discernir la obra real de la ficticia, diálogos e incluso versos puestos en boca de cada uno de los amantes.

Hasta el final, Wallada mantuvo sus ansias de libertad, las reivindició y las puso en práctica, y eso lo transmitió a algunas de sus discípulas, como su protegida Muhŷa bint al-Tayyānī al-Qurṯubiyya. Sin embargo, el contexto histórico jugaría en contra de mujeres como ella y, si bien Wallada había contado incluso con el apoyo de hombres poderosos como Ibn ‛Abdūs o Abderramán V, sus discípulas deberían enfrentar tiempos más complicados con la llegada de los almorávides, mucho más radicales que los andalusíes del califato y mucho más restrictivos hacia las mujeres. Quizá no sea casual que la muerte de la poetisa se feche en el 26 de marzo de 1091, precisamente el día en que los almorávides consiguen hacerse con Córdoba.

No obstante, ahí queda el legado de Wallada en forma de versos maravillosos, considerados algunos de los de mayor calidad de la Edad Media peninsular y marcados por esa personalidad que muchos han definido como protofeminista y completamente adelantada a su época. Y se agradece que, por un momento, grupos de heavy metal como Saurom dejen a un lado las batallas para hablarnos de personas que, como ella, hicieron enormes aportaciones a nuestra historia y quedaron silenciadas. Ojalá más grupos de música sirvieran para divulgar la labor de las mujeres a lo largo de la historia.

Bibliografía:

Álvarez Palenzuela, V. A. (2011). Historia de España de la Edad Media. Ariel.

Bellido, J. F. (2003). «Wallada Bint Al-Mustakfi», en Actas del IV Seminario de la Asociación Universitaria de Estudios de Mujeres (AUDEM), vol. 2, 2003. Universidad de Sevilla.

Garulo, T. «Wallada bint al-Mustakfi«, en Biografías. Catálogo de biografías de la Real Academia de la Historia.

Garulo, T. (1985). Diwan de las poetisas andaluzas de Al-Andalus. Hiperión.

López de la Plaza, G. (1992). Al Ándalus, mujeres, sociedad y religión. Universidad de Málaga.

Manzano Moreno, E. (2015). “Épocas medievales”. En Fontana, J., y Villares, R., Historia de España. Crítica.

Cato Major: Carthago Delenda Est! – Ex Deo, Catón y Cartago

Ex Deo es una banda canadiense de Death metal melódico que basa sus letras en la historia de Roma. El título de la canción que analizaremos hoy es Cato Major: Carthago Delenda Est, que pertenece al disco The Immortal Wars, publicado en 2017. Nos encontramos ante un disco conceptual basado en las guerras púnicas. El título de la canción escogida es una verdadera declaración de intenciones: «Catón el Viejo: Cartago debe ser destruida». Con esta premisa comienza una canción a modo de discurso del propio Catón hacia el senado romano en el que alienta a la destrucción de Cartago.

Ex Deo. Fuente: Encyclopaedia Metallum.

«I call Cato to the Senate floor»

Con la llamada a Catón a hablar en el senado comienza la canción. Esta primera frase está rodeada de un ambiente digno de una película de Hollywood, con redobles de caja, evocando la imagen de nuestro protagonista en el centro de la sala y dando comienzo a su discurso diciendo «Solo hay un único camino, ¡Cartago debe ser destruida!». Tras esto la canción rompe y se desarrollan el resto de estrofas. De momento dejaremos la destrucción de Cartago para más adelante.

Catón y la segunda guerra púnica

El nombre de nuestro protagonista es Marco Porcio Catón, conocido como el viejo, el mayor o el censor, por su labor en el desempeño del cargo. Además de ser político también fue escritor y militar. Centrémonos en este último aspecto.

Threat feeds the lies to kill the bloodline
Ideals of Rome, the idea of prosperity
Freedom (freedom), freedom (freedom), guides me through the heart

I am a soldier of Rome
I am descendant of Mars
I am the son of Jove
The son of Jove

Catón combatió en la segunda guerra púnica y la banda utiliza este hecho como introducción en el discurso. En él se presenta como un soldado de Roma, hijo de Marte (dios de la guerra) y de Júpiter. Durante esta contienda luchó en Tarento, Metauro (batalla en la que murió Asdrúbal Barca) y África.

Mapa de los movimientos en la segunda guerra púnica. En círculos azules los lugares en los que participó Catón. Editado de Wikipedia.

Hannibal, great general of the Carthaginian hordes
Barbarian, this is your final stand

How dare you invade our lands, and break the treaty
A thousand miles away, a forgotten reign

La canción continúa con un mensaje hacia los cartagineses y hacia Aníbal, hermano de Asdrúbal, quién sustituyó al último frente al ejército cartaginés. Catón también recuerda al pueblo cartaginés que rompieron el Tratado del Ebro, en el que se establecía que los cartagineses no podían expandirse hacia el norte del río y los romanos hacia el sur. Cuando los cartagineses sitiaron la ciudad de Sagunto, que no se encontraba al norte del río, se desencadenó la segunda guerra púnica. Ello se debió a que esta ciudad era aliada de Roma. Este enfrentamiento mantuvo a cartagineses y romanos en guerra durante diecisiete años (218-201 a. C.) y terminó tras la Batalla de Zama y la capitulación de Cartago.

La derrota cartaginesa supuso la reducción de la flota, la pérdida de territorios fuera de África y el pago de reparaciones de guerra, entre otras condiciones. El tratado podría haber anulado a Cartago, pero no fue así, pues la ciudad volvió a tener una gran prosperidad económica.

Carthago delenda est

Esta prosperidad económica fue advertida años más tarde, en el 157 a. C., por el propio Catón, quien tuvo que hacer de mediador entre Cartago y Masinisa, que se encontraban en conflicto. La embajada que envió Roma quedó impresionada por la riqueza de la ciudad y el aumento de la población. Ante el peligro que suponía esta situación, el ya anciano Catón terminaba todos sus discursos con la coletilla «Por lo demás, opino que Cartago debe ser destruida». En latín esta frase que solía decir es Ceterum censeo Carthaginem esse delendam. Sin embargo, por mucho tiempo se pensó que la locución correcta era Carthago delenda est, la cual ha llegado hasta nosotros atribuyéndola de forma errónea a nuestro protagonista.

Busto atribuido a Catón el viejo. Fuente: Wikipedia.

Plutarco cuenta lo siguiente: al dar a conocer su opinión sobre cualquier asunto, añadía a lo dicho lo siguiente: «Me parece bien que Cartago no exista». Pero, en sentido contrario, Publio Escipion, llamado Nasica, siempre terminaba diciendo y declarando: «Me parece bien que Cartago exista». En el senado se dio el debate de qué hacer con la ciudad, por una parte, la prosperidad de Cartago suponía una amenaza para los romanos, por otra parte, los defensores de no entrar en guerra afirmaban que Roma necesitaba de enemigos fuertes para que los romanos no se descuidaran en su soberbia.

Rise General Scipio and lead us to victory!
«Mars is by our side. Raise your gladius. As we are the light, they are the darkness. For this republic, for honor, we are Romans!»

La destrucción de Cartago fue la última empresa política de Catón e incluso murió sin ver cómo se llevaba a cabo. Plutarco narra que Catón profetizó que la guerra terminaría con un hombre, joven entonces, que servía en el ejercito como tribuno militar y mostraba acciones de prudencia y audacia en los combates. Cuando se dieron a conocer estos hechos a Roma, afirman que al enterarse Catón dijo: Sólo él tiene una mente sagaz, los demás vagan por allí como sombras.

Y más o menos ocurrió de esta forma pues tres años después de su muerte Escipión Emiliano culminó la campaña con la destrucción de la ciudad en el año 146 a. C.

Cuenta Apiano que Escipión lloró al ver la ciudad arder y realizó una oración lamentando el destino de Cartago, comparándolo con Troya y reflexionando sobre la posibilidad de que ocurriera algo similar a Roma.

Bibliografía:

Apiano – Guerras Púnicas. (s. f.). Recuperado 29 de noviembre de 2020, de http://www.anarkasis.net/Apiano/guerras-punicas.html

Cabeza, G. F. (1990). El Período de las primeras guerras púnicas. Akal.

Goldsworthy, A. (2019). La caída de Cartago: Las Guerras Púnicas, 265-146 A.C. Grupo Planeta.

Little, C. E. (1934). The Authenticity and Form of Cato’s Saying «Carthago Delenda Est». The Classical Journal, 29(6), 429-435. JSTOR.

Martínez-Pinna, J., & Domínguez, D. P. (2016). Breve historia de las Guerras Púnicas. Ediciones Nowtilus S.L.

Plutarco. (2016). Vidas paralelas IV: Aristides – Catón. Filepemén – Flaminino. Pirro – Mario. RBA Libros.