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Razom nas bahato – Corrupción, revolución y Eurovisión en Ucrania

No cabe duda de que Eurovisión ha marcado la historia de la música y ha generado auténticos himnos pop. Sin embargo, no suele ser habitual que una canción con un mensaje marcadamente político, convertida en himno de una revolución, represente a un país en el festival.

Pues eso es precisamente lo que sucedió en 2005, cuando Ucrania envió a Eurovisión la canción «Razom nas bahato», himno popular de la denominada Revolución naranja.

GreenJolly. Fuente: 4Lyrics.

¿Qué fue la Revolución naranja?

Antes de meternos en lo musical, pongamos un poco de contexto, y para ello trasladémonos a 2004. 

Por entonces el ambiente en Ucrania estaba enrarecido: desde hacía años se venían denunciando casos de corrupción que implicaban al presidente, Leonid Kuchma. Y, para colmo, uno de los principales periodistas que estaba aireando los trapos sucios del ejecutivo, Georgiy Gongadze, fue secuestrado y asesinado en el año 2000.

Leonid Kuchma. Fuente: Wikimedia.

La oposición, liderada por el conservador Víktor Yúshchenko, rápidamente relacionó al presidente con el crimen, y comenzó a utilizarlo para arremeter contra el gobierno, que perdió algunos de sus principales apoyos. Incluso políticos del partido del gobierno pasaron a engrosar las filas de la oposición.

En mitad de esta situación, que venía agravándose con más escándalos de corrupción y cruces de acusaciones, Kuchma decidió no presentar su candidatura a las elecciones de 2004, y en su lugar dio su apoyo a su primer ministro: Víktor Yanukóvich. Así, en estas nuevas elecciones, los ucranianos deberían escoger entre dos Víktor: el líder de la oposición, Yúshchenko, y el heredero del presidente, Yanukóvich.

Yúshchenko (izquierda) y Yanukóvich (derecha). Fuente: El Mundo.

Entre 2000 y 2004 ya se había ido conformando un fuerte movimiento civil de oposición al gobierno que agrupaba a gente de muy distinta ideología. De hecho, en el 2002 el partido conservador, el partido comunista y los socialdemócratas presentaron una declaración conjunta de apoyo al movimiento revolucionario que estaba formándose en las calles. Sin embargo, con la llegada de estas elecciones, Yúshchenko se puso al frente del movimiento (según muchos, se apropió de él) y se presentó como el único capaz de liderar un auténtico cambio.

Aunque el ambiente revolucionario llevaba meses, incluso años gestándose, fue precisamente el resultado de las elecciones de noviembre de 2004 el que desembocó en la denominada Revolución naranja.

Revolución naranja. Fuente: El País.

El escrutinio había dado por vencedor al partido del gobierno y a su candidato, Yanukóvich, pero la oposición no aceptó el resultado y comenzó a denunciar casos de presiones y de fraude electoral que fueron respaldados por los informes de observadores internacionales.

La sociedad civil, en una amplia mayoría, comenzó a llevar a cabo distintas formas de protesta: huelgas, concentraciones, manifestaciones, etc. Y en ese ambiente enrarecido, el Tribunal Supremo ucraniano obligó a repetir las elecciones en diciembre del mismo año.

El 26 de diciembre de 2004 se repitieron las elecciones, y esta vez dieron por vencedor al líder de la oposición, Yúshchenko. Y aunque el asunto siguió coleando muchos años más y condujo a otras protestas, la Revolución naranja se dio por terminada cuando Yúshchenko tomó posesión como presidente de Ucrania en enero de 2005.

Yúshchenko durante las protestas de la Revolución naranja. Fuente: Wikimedia.

¿Por qué el naranja?

Ya hemos dicho que mucha gente acusó a Yúshchenko de apropiarse de un movimiento de protesta que ya estaba iniciado anteriormente, y quizá el uso de este color para referirse a la revolución evidencie esto. Los partidarios del líder opositor emplearon este color durante las protestas, y el naranja se convirtió en el color de la campaña electoral de Yúshchenko. Así, el naranja se acabó asociando a la oposición al gobierno, que empleó el azul.

Razom nas bahato

Pero volvamos a la música: precisamente en 2005 Eurovisión se celebraba en Kiev, la capital ucraniana, ya que en la edición anterior se había declarado ganadora Ruslana con la canción «Wild Dances».

Actuación de Ruslana en Eurovisión 2004

Era una oportunidad de oro para el nuevo gobierno, que había convertido la revolución en el mito fundacional de un nuevo régimen democrático, liberal y proeuropeo. Así que no hubo dudas en escoger para la edición de 2005 un tema que durante las protestas se había hecho popular entre los manifestantes: «Razom nas bahato». Se trataba de una canción compuesta por el dúo ucraniano GreenJolly, un par de raperos cuya trayectoria juntos duró apenas dos años.

La canción fue polémica ya en la preselección, y sin embargo se convirtió en ganadora para representar a Ucrania. Pero es que la letra violaba las bases de la competición, pues de acuerdo a las normas de Eurovisión, ningún tema debe contener mensajes abiertamente políticos, y el tema llegaba incluso a nombrar a Yúshchenko, el nuevo presidente.

Así, se tomó la decisión de introducir algunos cambios en la canción: se eliminaron algunos versos, y en su lugar se incluyeron frases en distintos idiomas (alemán, inglés, castellano, francés…) para hacer el tema más internacional. Incluso parte de la canción se reescribió en inglés, pues la original estaba íntegramente en ucraniano.

Los autores no ocultaron una clara inspiración en el tema de Quilapayún «El pueblo unido jamás será vencido» desde el mismísimo título de la canción, pues «Razom nas bahato, nas ne podolati», quiere decir en ucraniano algo así como «Juntos somos más, no seremos vencidos».

Actuación de GreenJolly en Eurovisión 2005

Aunque si analizásemos desde un punto de vista musical, existen muchas más referencias, pues la propia canción arranca con un riff de guitarra que bien podría haber compuesto Kurt Cobain.

Pero preferimos centrarnos en la puesta en escena, que guarda relación con el contexto político que comentamos antes: el dúo apareció sobre el escenario acompañado de una pareja de bailarines que lucían unas cadenas que rompían a mitad de la canción, mientras el cantante principal lucía una camiseta de, nada más y nada menos, que el Che Guevara, tratando así de acentuar el carácter revolucionario del mensaje de la canción. Este detalle llama especialmente la atención, pues Yúshchenko lideraba una coalición de liberales y conservadores.

Por otra parte, dado que la canción no podía aludir directamente a los acontecimientos vividos por el país, durante la actuación los representantes ucranianos encontraron la manera de introducir referencias a través del color naranja que se podía ver en elementos como la camiseta del batería o el cinturón de uno de los bailarines.

Al poco de aquella actuación, el dúo se separó, y hoy en día llevan sus carreras musicales por separado.

Tras la Revolución naranja

Por su parte, Yúshchenko fue presidente de Ucrania hasta el año 2010, cuando fue derrotado en unas nuevas elecciones precisamente por su opositor, Yanukóvich. Esta alternancia en el poder es significativa, pues las tensiones no acabaron tras la Revolución naranja, y en muchos momentos, se agravaron, como ocurrió con el Euromaidán de 2013.

Protestas durante el Euromaidán. Fuente: Wikimedia.

Y es que, aunque entre las causas que citamos de la revolución solo citamos la corrupción y el abuso de poder, lo cierto es que subyacen problemas de índole social y étnica. Buena muestra de ello es que Yúshchenko lideraba una formación abiertamente proeuropea, mientras que Yanukóvich encabezaba una fuerza prorrusa. Es significativo, además, que los resultados de las elecciones de diciembre de 2004, mostrasen un apoyo mucho mayor a Yanukóvich, precisamente en las regiones orientales, las que actualmente son objeto del conflicto entre Rusia y Ucrania.

Resultados electorales en diciembre de 2010. En rosa los resultados favorables a Yúshchenko, en azul los favorables a Yanujóvich. Fuente: Wikimedia.

No sabemos en qué derivará la escalada de tensión actual, pero lo que sí tenemos claro es que la música volverá a ser uno de los elementos que sirvan para plasmar los anhelos y miedos de unos o como una herramienta política más.

Referencias:

  • Wilson, A. (2006). Ukraine’s Orange Revolution. Yale University Press.
  • (2004). «The Orange Revolution», en TIME.
  • EFE (2004). «Yushchenko acusa a Yanukovich en televisión de robarle la victoria», en El Mundo.
  • (2004). «Crisis en Ucrania por un supuesto fraude electoral», en El Universo.
  • Tchorek, K. (2004). «Protest grows in western city», en The Times.

Además, si quieres saber más sobre la historia y política reciente de Ucrania, te recomendamos el documental de Ricardo Marquina en su canal de YouTube:

Sorni Nai – Kauan y el incidente del paso de Diátlov

En 2015 la banda rusa de doom metal atmosfério Kauan lanzaba su sexto disco llamado «Sorni Nai», un álbum conceptual que nos transporta a los Urales de 1959 y a un «misterioso» y trágico incidente que sufrieron unos excursionistas en el conocido como el paso de Diátlov.

El álbum se compone de una gran canción dividida en siete fragmentos conectados entre sí a través de la instrumentación en los que nos cuentan el viaje y el destino de estos jóvenes aventureros. Por cierto, la letra está escrita en finés. ¿Nos acompañáis a dar un paseo por la montaña? Abrigaos bien, coged vuestro equipo y vamos allá.

En enero de 1959, diez estudiantes de la universidad de Sverdlovsk (actual Ekaterimburgo) decidieron realizar una ruta a través de los Urales dirigidos por el ingeniero de radio Igor Dyatlov.

Silmäripset jäätyy kylmässä
talvituuli puskee ikkunaa
juna kiiruhtaa, halkoo yötä
vanassaan laulujen kaiku

Niitä laulaa kymmenen sielua
vuorille aikovaa
tie läpi jäisen maan
kulkee unohdettuja, vaikeita polkuja

Las pestañas se congelan con el frío.
el viento de invierno empuja la ventana
el tren se apresura, atraviesa la noche
Eco de viejas canciones

Las cantan diez almas
yendo a las montañas
camino a través del suelo helado
camina por caminos olvidados y difíciles

El viaje comenzó partiendo un 23 de enero desde la estación de tren de Sverdlovsk con dirección Serov. Allí hicieron noche antes de coger otro tren con destino Ivdel, desde allí cogieron un autobús hacia Vizhái dónde fueron acogidos un par de días antes de emprender la ruta hacia los Urales.

El viaje

Estas primeras estrofas nos muestran las fases preliminares de la subida hacia la montaña. En ella explican el viaje en tren y nos cuentan que «cantan canciones». Resulta bastante acertada la doble perspectiva de este álbum. Por un lado, tenemos un narrador que sabe lo que va a pasar y nos describe un mundo hostil y frío; por el otro, aparecen los excursionistas cantando ajenos a lo que se les vendrá encima. Uno de los integrantes del grupo, Yuri Krivonishchenko «Gregory» portaba una mandolina y en el tren se produjo un encuentro con otros conocidos montañistas y juntos cantaron durante horas. Al parecer, una de sus canciones favoritas trataba, precisamente, sobre la alegría de viajar y decía lo siguiente:

Nuestras voces continuarán
Sobre las crestas y picos de las montañas
Sobre las ventiscas y tormentas de febrero
Sobre vastas extensiones de nieve.

Escucharemos las canciones de los demás
aunque cientos de kilómetros se encuentren entre nosotros
Aunque vaguemos lejos el uno del otro
Los amigos superarán la distancia cantando.

Llegados a este punto, ya conocemos a dos integrantes de la expedición (Igor Dyatlov y Yuri «Gregory»), por lo que os vamos a presentar al resto de componentes: Zinaida Kolmogorov (Zina), Yuri Doroshenko, Alexander Kolevatov y Lyudmila Dubinina (Luda) eran estudiantes de ingeniería de radio como Igor Dyatlov; Rustem Slobodim, Yuri Yudin y Nikolay Thibault-Brignoles eran estudiantes de diferentes ingenierías y Semyon Zolotarev era el más veterano, participó en la II Guerra Mundial y también estudiaba ingeniería.

Los 10 excursionistas. Fuente: dyatlovpass.

Desde Vizhái, recorrieron tres horas de camino para llegar a un asentamiento maderero conocido como el «41º Cuarto». Allí pasaron la noche de forma jovial y por la mañana decidieron partir hacia un campamento minero conocido como el «2º Norte». Es en este punto en el que Yuri Yudin decidió que acompañaría a los excursionistas hasta el campamento minero para recoger muestras y que no seguiría adelante por sus problemas de ciática.

Ruta seguida por los excursionistas. Fuente: Wikipedia.

Metsäpolku valkealla lumella
oksien lomassa, joskus katoaa
lumimyrsky pian tuudittaa
ja ulvoo kylmään kuolleille

Metsästäjät peittää hiljaa jäljet
ja virittää ansat
terällä piirtää, havupuihin
oudot verimerkit

Pakkanen tappaa hiljaa
kun saa jotakin elävää ansaan
ja kulkija jokainen tuntee
sen henkäyksen sormissaan

Camino forestal con nieve blanca
entre las ramas, a veces desaparece
una ventisca pronto calmará
y aullidos por los muertos

Los cazadores tapan silenciosamente las pistas
y afina las trampas
dibujo de hoja, coníferas
extrañas marcas de sangre

La escarcha mata silenciosamente
cuando te quedas atrapado en algo vivo
y el caminante que todos conocen
su aliento en sus dedos

Esta estrofa nos muestra estos primeros pasos entre la ciudad y los dos campamentos. El grupo se va adentrando en el bosque y nos explica que existen huellas y marcas de cazadores del lugar además de describirnos el frío paisaje de coníferas.

De nuevo, Kauan sigue utilizando este recurso de narración omnisciente en el que nos presenta un paisaje misterioso en el que aparecen «extrañas marcas de sangre» y nos habla de cazadores. ¿Existen de verdad o solo es un recurso literario? Efectivamente, en los diarios de esta aventura aparecen señas de cazadores, concretamente de un pueblo indígena conocidos como los mansí que, más adelante, tendrán su importancia en la historia.

Según uno de los diarios: [Los símbolos] son tipos de historias del bosque. Las marcas describen animales notados, sitios de rodadura, varios indicadores, y la decodificación de esas marcas sería de gran interés tanto para los excursionistas como para los historiadores.

Símbolos mansí, posiblemente de la cámara de Yuri Krivonishchenko. Fuente: dyatlovpass.

La «tercera» canción del disco nos habla de la despedida de Yuri Yudin y la continuación del camino con un integrante menos e insiste en introducirnos en esta atmósfera helada para que empaticemos con los caminantes en la nieve. Los narradores saben que va a pasar algo mientras que el grupo de excursionistas se dirige hacia un destino que no conocen. Esto se contrapone con lo que puede leerse en los diarios, pues no solo no son conscientes de un posible peligro sino que en ellos se muestra el compañerismo y jovialidad del viaje.

Yksi kymmenestä
sairastuu ja eikä jatka
nopeat jäähyväiset
ja tie vie eri suuntiin

Unessa tuo yksi näkee
kun tulinainen tanssii
lumi värisee, vaan ei sula
sitten uni päättyy

Maa, kylmä maa
lumen alla, alla suojassa
näetkö auringon nousussa
yhdeksän varjon taipuvan tuulessa

Aurinko painuu mailleen
ja yhdeksän hahmoa unilleen
lumimyrskyn juhliessa
saapuvaa yötä

Uno de cada diez
se enferma y no continúa
despedida rapida
y el camino conduce en diferentes direcciones.

En el sueño que uno ve
cuando el baile de fuego
la nieve tiembla pero no se derrite
entonces el sueño termina.

País, país frío
bajo la nieve, bajo el refugio
Ves salir el sol
nueve sombras dobladas en el viento.

El sol se esta poniendo
y nueve personajes por sus sueños
cuando la tormenta de nieve esta celebrando
noches entrantes.

Despedida de Yudin. De izquierda a derecha: Dyatlov, Yudin, Luda y Nikolay. Fuente: dyatlovpass.

Las últimas noticias del grupo

Tras la despedida de Yuri Yudin el viaje se desarrolló con normalidad, siguieron observando símbolos mansí en los árboles y fueron recogiendo información que plasmaron en los diarios. El el día 30 de enero, aparece la que sería la penúltima entrada en la que nos muestran un día tranquilo, con temperaturas bajas pero normales para la época y lugar en el que están. Sin embargo, en el diario de Zina aparece una última palabra «Rempel», el nombre de un cazador local.

El 31 de enero escriben la última entrada en la que nos dicen que siguen el camino mansí y que posiblemente un cazador de ciervos lo había transitado con anterioridad y, además, el diario nos dice que el cielo estaba «perfectamente claro».

Punainen päivä laskee

Valo kajastaa teltasta kun yö lipuu
laulu ja hiljainen nauru kuuluu tuulessa
yksi jo nukkuu myötä kehtolaulun
toinen rustaa päiväkirjaan viimeiset rivit

El dia rojo esta cayendo

La luz se refleja en la carpa mientras la noche vuela.
la canción y la risa tranquila se escuchan en el viento
uno ya esta durmiendo con la canción de cuna
el otro oxida las últimas líneas del diario.

Ya no existen más entradas pero sí unas fotografías del día siguiente, el 1 de febrero, que serían las últimas tomadas por la cámara y que, una de ellas, sería utilizada como portada del álbum que estamos analizando.

El grupo en el paso. De izquierda a derecha: Doroshenko, Nikolay, Krivonishchenko, Slobodin y Dyatlov. Fuente: dyatlopass.

Yudin volvió a su hogar el 2 de febrero y 10 días después se esperaba que los compañeros llegaran a Vizhái, cosa que no ocurrió y esperaron otros tres días por si había ocurrido algún retraso. Tampoco hubo señales de los excursionistas.

El día 17 de febrero otros excursionistas y personal militar reportaron haber visto unos extraños orbes en en cielo. Al día siguiente los familiares pidieron iniciar una búsqueda pero fue rechazada. Finalmente, el día 20 de febrero daba comienzo la búsqueda de los nueve excursionistas desaparecidos.

En un primer momento encontraron la tienda de campaña con un corte artificial realizado con un objeto punzante pero ningún cuerpo en su interior. La búsqueda se ampliaba en este momento y el dispositivo se hizo más grande. Conforme pasaron los días los cuerpos fueron apareciendo desperdigados, a más de una milla del campamento, semi desnudos en lugares dónde las temperaturas bajan de cero grados. Algunos de los cuerpos fueron encontrados boca abajo, otros en posición fetal y otros aferrados a un barranco. Casi todos ellos no llevaban botas.

A la hora de realizar las autopsias se nos presentan los cuerpos de seis personas fallecidas por hipotermia pero tres de ellas aparecieron con heridas brutales como el cráneo roto de Rustem y Nikolay, las costillas rotas de Semyon y Luda que, incluso, apareció sin lengua. Además, algunos de ellos tenían niveles anormalmente altos de radiación. ¿Qué pudo pasar?

La investigación

Además de los cuerpos, lo primero que llamó la atención fue el estado de la tienda de campaña y las muertes violentas por lo que la investigación rápidamente tomó el matiz de una investigación criminal, cuyos principales sospechosos fueron los propios miembros del grupo (ya que los cadáveres se encontraron de forma sucesiva) y después los mansí. ¿Acaso habían entrado en una zona sagrada para que esta tribu a priori pacífica reaccionara con violencia? La cuestión es que los propios mansí ayudaron en la búsqueda y aclararon que esa zona no solían transitarla por su dificultad. Además, los datos de las investigaciones revelan que la tienda de campaña estaba cortada desde dentro.

Esto dio una vuelta a la investigación o al «misterio». ¿Huían de algo o de alguien? Todo indica que los excursionistas no tuvieron más remedio que huir rápidamente ante algo y no pudieron coger la ropa, ni las botas, ni el resto del equipo, además hubieron de romper la tienda de campaña para salir más rápido. Circunstancia que plasma Kauan en la quinta canción del álbum:

Isku ja pelko, leikkaa kangasta
kaikki lämpö katoaa hetkessä
vain huudot ja pimeys ympärillä
juokse… pakoon kylmyyttää

Soplar y temer, cortar la tela
todo el calor desaparece en un instante
solo gritos y oscuridad alrededor
corre… escapa de la congelación.

La investigación se cerró meses más tarde con la conclusión de Lev Ivanov, el investigador principal, de que las muertes fueron provocadas por «una fuerza devastadora desconocida». Lo cual no contentó a las familias ni a Yuri Yudin. Además, los documentos fueron clasificados y el paso por la zona fue prohibido durante tres años.

¡Que comiencen las teorías!

El Ataque mansí lo descartamos por lo comentado anteriormente.

¿Una avalancha? La opción más «lógica» pero que no fue respaldada científicamente ya que no tuvieron señales de que hubiera ocurrido ninguna y a lo largo de los años se consideró esta opción como algo poco probable.

Quizás se desató una ventisca que pudiera explicar la huida rápida y las heridas encontradas en los cuerpos de los tres excursionistas además de la hipotermia y la aparición de los cuerpos desperdigados.

¿Pudieron ser hombres armados? En un primer momento se barajó esta hipótesis debido el estado de los cuerpos y la tienda de campaña pero se descartó rápidamente al ver que los excursionistas la habían rajado desde dentro. Muchas teorías de aficionados giran en torno a posibles proyectos militares, a la existencia de un gulag y que un fugado armara todo el lío pero no son más que teorías con poco recorrido.

Año 1959, la URSS, el comunismo, Guerra Frría, archivos clasificados… ¿Y si es todo una conspiración soviética? ¿Qué eran esos «orbes» en el cielo? ¿Estaban probando armas? ¿Y la radiación? ¡Exacto! Llegamos a una de las teorías preferidas por los aficionados a este caso ya que no puede ser otra cosa que la malvada unión soviética haciendo de las suyas, ¡jaque mate!.

Aprovechando las incógnitas del caso los canales Discovery Channel y Canal Historia decidieron darnos su propia versión de los hechos y especular con otras teorías. A estas alturas creo que ya sabéis por dónde va la cosa… ¡ALIENS! Esos extraños orbes del cielo… ¡Seguro que fueron ellos!. O quizás no, posiblemente pudiera ser una criatura que habitaba los bosques rusos, algo grandote y salvaje… ¡UN GANSO YETI! Sí, amigos lectores, se han hecho sendos documentales sobre aliens y yetis en los que, por supuesto, no hay nada concluyente.

La cuestión es que la fiscalía rusa volvió a abrir el caso en 2019 debido a la presión de las familias durante años y para poder esclarecer cómo pudo ocurrir semejante tragedia y tratar de evitarla, ya que el paso de Diátlov (llamado así por el incidente) se encuentra abierto. En 2020 se cerró con la conclusión de que había sido una avalancha. La hipótesis presenta lagunas por una serie de factores que dificultan la posibilidad de que ocurriera una avalancha: en primer lugar, el equipo de búsqueda no informó de que hubiera habido un desplazamiento de nieve; la pendiente de la montaña no era lo suficientemente empinada; y, además, las lesiones de tres de los excursionistas eran extrañas. Resulta curioso porque Yuri Yudin, el único superviviente de la expedición (recordemos que volvió a casa antes), nunca llegó a creer en la versión oficial y falleció en 2013 sin llegar a conocer qué y cómo ocurrió el incidente.

La solución

Probablemente habéis llegado hasta aquí y os sintáis decepcionados con la resolución del caso, sin embargo, el 28 de enero de 2021 se publicó un artículo llamado Mechanisms of slab avalanche release and impact in the Dyatlov Pass incident in 1959 en la revista Nature que ha reunido los factores necesarios para que se diera la avalancha a través de modelos matemáticos y simulaciones. ¿Qué factores debían darse para que ocurriera esa desgracia?

Parece ser que más que una avalancha lo que se desprendió fue una pequeña placa de nieve que obligó a los excursionistas a abandonar el lugar. ¿Cómo pudo ocurrir? Con la combinación de tres factores: un corte en la placa de nieve al instalar la tienda de campaña, una topografía especial y fuertes vientos catabáticos (masas de aire que se desplazan ladera abajo y que transportan nieve) que pudo hacer que la placa de nieve colapsara. Con este estudio se ha pretendido no solo dar carpetezo a la investigación sino aprovechar el incidente para conocer mejor los desplazamientos de nieve ladera abajo.

Kauan se decantó por la versión oficial y a lo largo del disco tratan de ponernos en situación. Con su música nos trasladan a un lugar lúgubre, con tintes melancólicos y épicos. Nos están narrando un viaje cuyo final sabemos todos menos sus protagonistas. Un recorrido que nos transporta a través del frío, la nieve, paisajes naturales, la tranquilidad y el camino pero, sobre todo, nos ofrece un relato marcado por la incertidumbre y el misterio.

Bibliografía y webgrafía:

Anderson, L. (2019). Death of nine: The dyatlov pass mystery. Amazon Digital Services LLC – KDP Print US.

Bonilla, J. M. H. (2021, febrero 15). El incidente del paso de Diátlov: La ciencia esclarece uno de los misterios más famosos del siglo XX. El País. https://elpais.com/ciencia/2021-02-15/el-incidente-del-paso-diatlov-la-ciencia-esclarece-una-de-las-teorias-de-conspiracion-mas-famosas-del-siglo-xx.html

Eichar, D. (2014). Dead mountain: The untold true story of the dyatlov pass incident(Historical nonfiction bestseller, true story book of survival). Chronicle Books.

Gaume, J., & Puzrin, A. M. (2021). Mechanisms of slab avalanche release and impact in the Dyatlov Pass incident in 1959. Communications Earth & Environment, 2(1), 1-11. https://doi.org/10.1038/s43247-020-00081-8

Sahuquillo, M. R. (2019, febrero 7). Rusia vuelve a investigar la misteriosa muerte de nueve excursionistas en los Urales 60 años después. El País.https://elpais.com/internacional/2019/02/04/mundo_global/1549284687_118121.html

En la web https://dyatlovpass.com/ se pueden consultar los diarios, fotografías, mapas y los archivos del caso. No obstante, muchas de las teorías que aparecen son muy cuestionables y no se tienen en cuenta los nuevos estudios.

«ROCK THE CASBAH» – The Clash y la Revolución iraní

The Clash cuenta en su historia con varios éxitos: «Should I Stay Or Should I Go», «London Calling», «Spanish Bombs»,… Sin embargo, solo uno de sus temas llegó a posicionarse entre los diez primeros más escuchados en Estados Unidos: «Rock the Casbah». Un tema histórico que, sin embargo, dio muchos dolores de cabeza a sus autores.

Si bien es cierto que fue un éxito arrollador para la banda, quizá en la actualidad se les recuerda mejor por esos otros temas que hemos mencionado. Pero para entender de qué trata la canción y cuáles fueron las claves de su éxito, debemos poner un poco en contexto a The Clash.

Cuando The Clash saltó a la palestra en la segunda mitad de la década de los setenta, el mundo del punk rock ya contaba con gigantes como The Ramones, Patti Smith o Sex Pistols. Sin embargo, The Clash supieron hacerse un hueco con algo distinto: su compromiso político. Frente al nihilismo del resto de grupos de punk, The Clash planteaban una crítica ácida y comprometida con los problemas políticos y sociales de todo el mundo. Y en ese sentido, «Rock the Casbah» es el mejor ejemplo.

La canción salió al mercado en un momento en que el grupo ya estaba consolidado, en 1982. Formaba parte del álbum Combat Rock, que incluía también el mítico «Should I Stay Or Should I Go».

Portada del álbum Combat Rock de The Clash (1982).

A diferencia de otros temas de The Clash, la primera versión de «Rock the Casbah» fue prácticamente creada por el percusionista de la banda, Topper Headon. Tanto letra como composición y arreglos musicales para bajo, piano y batería son obra suya. Sin embargo, aquella primera versión tenía una temática completamente distinta a la que acabó teniendo, y eso se lo debemos al resto de componentes del grupo, en especial a Joe Strummer.

Joe Strummer. Fuente: Wikimedia.

Strummer, inspirado por la letra original de Headon, vio la oportunidad de convertir el tema en un himno contra la censura que estaba teniendo lugar en otros lugares del mundo. Pero ¿de qué hablamos?

Nos remontamos un par de años, a 1979, momento en que en Irán llega al poder el ayatolá Ruhollah Jomeini. Jomeini había encabezado la oposición a los intentos modernizadores y occidentalizadores del sah, máxima autoridad política de Irán que había ignorado la autoridad religiosa de los ulema, el clero musulmán chiita. La posición de los religiosos había triunfado entre los sectores más conservadores de la sociedad iraní, creando un movimiento de oposición a los monarcas que articuló la denominada Revolución iraní.

Sus continuas críticas y su colaboración con los revolucionarios, llevaron al exilio a Jomeini. Pero en 1979, aprovechando la supuesta convalecencia del sah, que algunos han considerado un autoexilio provocado por las presiones de sus opositores, el gobierno interino autorizó el regreso de Jomeini a Irán. A su vuelta fue recibido por millones de partidarios que dieron como ganada la revolución y que colaboraron para deponer a ese mismo gobierno interino.

Jomeini en su regreso a Irán. Fuente: La Vanguardia.

Así se abrió un proceso por el cual Irán pasó de ser una monarquía a una república islámica que, poco a poco, fue dando forma a un régimen autoritario y teocrático regido por el propio ayatolá Jomeini.

El nuevo régimen, mucho más conservador que el anterior, comenzó una cruzada contra todo lo occidental, y eso incluía la música: los estilos de música occidental (pop, rock, punk, reggae, disco…) fueron prohibidos y sometidos a una rígida censura. Este hecho fue el que articuló la creación de «Rock the Casbah»:

By order of the Prophet

We ban that boogie sound

Así reza la canción: Por orden del profeta prohibimos ese sonido boogie. Y la crítica al ayatolá se hizo presente en los míticos coros de la canción: Sharif don’t like it. Strummer tomó la casbah, la parte central de las fortificaciones o alcazabas musulmanas, como símbolo de ese poder islámico y llamó a “rockearlas” en el estribillo del tema. Y, por si cabía alguna duda, The Clash grabó un videoclip en que pusieron a musulmanes y judíos a bailar ska juntos (y beber alcohol, lo que molestó a algunos religiosos). 

Portada del single (1982).

La idea era genial y la canción tuvo un éxito rotundo. Sin embargo, acababa de nacer el mayor dolor de cabeza en la carrera de The Clash en general y Strummer en particular.

The Clash pretendía denunciar la censura y los abusos del régimen radical islamista, querían reivindicar la libertad, pero hubo quien quiso utilizar el tema para fines que nada tenían que ver con las intenciones de la banda.

En agosto de 1990 Estados Unidos puso en marcha la Operación Tormenta del Desierto con la ayuda de sus aliados, había comenzado la Guerra del Golfo. Durante meses los aviones de la coalición dirigida por Estados Unidos bombardearon objetivos militares y civiles de Irak y Kuwait. Y sobre los misiles los soldados estadounidenses habían escrito orgullosos el lema «Rock the Casbah». Es más, la canción se usó durante la guerra en reportajes y fue coreada por los soldados en más de una ocasión.

Strummer y el resto del grupo, que eran convencidos pacifistas contrarios a la intervención militar, quedaron muy afectados al ver estas imágenes y en más de una ocasión denunciaron que el tema se hubiera tergiversado. Y, sin embargo, aún tuvieron que volver a ver imágenes similares en otras intervenciones militares más recientes en Oriente Próximo.

Referencias:

  • Kapuscinski, R. (2007). El sha o la desmesura del poder. Anagrama.
  • Greene, A. (2009). «The Clash’s Topper Headon Demonstrates How He Wrote ‘Rock the Casbah'». Rolling Stone.
  • Documental: Joe Strummer. The Future Is Unwritten (Julien Temple, 2007).

Slipknot y la no historia de «Purity»

Corría el año 1998 cuando la banda norteamericana Slipknot se dirigía a grabar el que sería su primer álbum de estudio. Este disco incluía un total de quince canciones entre las que se encuentran «Frail Limb Nursery» y «Purity». Estas últimas tratan sobre el crimen de una mujer llamada Purity Knight, cuya historia impactó tanto a Corey Taylor que decidió dedicarle estas dos canciones.

Para ello, hubo de cambiar la letra de la canción «Despise» y hacer que encajara con la historia de la joven. A la canción de «Purity» le precede un tema de 45 segundos de duración llamado «Frail Limb Nursery» que se trata de un fragmento de la historia cortado y sampleado, es decir, una muestra de sonido original que ha sido utilizada para crear esta canción.

«Frail Limb Nursery»

Go on, what about the boy? […]
She lay as though she were in a trance
With her long eyelashes fluttering like she was dreaming
She said to him «I lie beyond the sea»
And then all of a sudden her head dipped back, and she vanished

Gone, gone without a trace
¿?
She’s never coming back
Do you know what it’s like to live with that?
No one knows what it’s like
The only one who knew me, gone
I know what you want, and I can give it to you
So tired
So tired and hungry
Tired
Have you ever seen Heaven?

La letra de esta primera canción resulta confusa y bastante críptica. Incluso la propia canción «Purity» parece no contar una historia en sí misma debido a que es una reedlabroación de otra canción en la que solo cambia el estribillo y la estrofa final para adaptarla a esta historia.

Concretamente dice lo siguiente:

You all stare, but you’ll never see
There’s something inside me
You all stare, but you’ll never see
There’s something inside me
You all stare, but you’ll never see
There’s something inside me
You all stare, but you’ll never see
There’s something in you I despise

Despise!
Despise!
Purity!

«Todos miran pero nunca verán que hay algo dentro de mí» y la repetición del nombre de Purity ocho veces es lo que nos indica que esta canción está basada en este crimen.

«Purity»

El crimen de Purity Knight

En 1997, las jóvenes estudiantes de la Universidad de Mississippi Ariadne Purity Knight y su compañera de cuarto Lee María Pérez, tuvieron un incidente de acoso con un hombre al que no lograron identificar.

Unos días después de este incidente, Purity desapareció y comenzaron las pesquisas policiales para dilucidar si se trataba de un secuestro y si era obra de este acosador anónimo.

El 9 de junio Purity fue encontrada muerta y enterrada en un ataúd a escasa profundidad en un pinar cercano a su casa. Parece ser que la mujer fue enterrada con vida y alimentada durante un tiempo hasta que falleció.

Según el informe de la policía:

«El perpetrador aparentemente había creado una capa de césped, ramitas y hojas de manera realista, después del entierro de la caja. La parte de la caja descubierta por Archer y su perro se colocó debajo de las ramas de un arbusto parecido a un brezo. Al mirar por la abertura, se veía una parrilla, incrustada en la madera, a unas 40 pulgadas por debajo del nivel del suelo. A través de la parrilla, la cabeza de la víctima podría ser vista».

Caja en la que fue enterrada Purity Knight. Fuente: crimescene.

En la caja encontraron un poema de Edgar Allan Poe que decía lo siguiente: In visions of the dark night have dreamed of joy departed but a waking dream of life & light hath left me broken-hearted (En visiones de la noche oscura he soñado con la alegría que se fue, pero un sueño despierto de la vida y la luz me ha dejado con el corazón roto).

Poema de Egar Allan Poe encontrado sobre la caja. Fuente: crimescene.

Cercano a la escena del crimen encontraron a un niño que pudo haber intentado ayudar a la mujer y que, posteriormente, se supo que había recibido una nota de ayuda que nunca entregó y que apareció en una biblioteca. Por lo que las investigaciones se tornaron hacia la familia del susodicho niño.

Días más tarde las investigaciones se resolvieron con la detención de Edwar Pierce, novio de la compañera de habitación de Purity tras un tiroteo con la policía.

La investigación es mucho más amplia de lo aquí explicado, con catorce sospechosos y varios giros policiales pero no es lo más destacable. Ya que toda esta historia es…

¡Falsa, un invent, fake news!

Efectivamente, Corey Taylor leyó el caso en una web de crímenes sin resolver y le impactó esta historia tan enrevesada que concluía con la aparición del cuerpo sin vida de una joven en un ataúd artificial. En palabras del cantante:

Sigo pensando que es real. Mira la cosa, sea cierto o no, es una historia real, sobre la que leemos, que jodió todo nuestro mundo. ¿Te imaginas a una chica enterrada en una caja y teniendo toda esta mierda lasciva? Y pensar que hay esperanza, porque este niño le está tomando una nota extraña para este chico que ni siquiera conoce, pensando que te aferras a la camisa de la esperanza y te despiertas. Estás muerta, estás enterrada en el lodo. Encuentran la nota una semana después metida en un libro de la biblioteca ¡por el amor de Dios! Solo te duele la cabeza. Es un caso de lo que hay de bueno y malo en las personas. La caja por sí sola es la razón lo suficiente como para decir, ‘No puedo soportar ser jodidamente humano’, ¿cómo puede alguien hacerle esto a alguien? ¿Qué hay dentro de nosotros que está tan jodidamente mal? Había escrito citas de Edgar Allen Poe y muchas cosas jodidas cosas en la caja.

Corey Taylor tocando con Stone Sour. Fuente: Wikipedia.

Problemática posterior

Tras publicar el álbum pronto llegó una demanda por derechos de autor de la persona que había escrito la historia del crimen. La página web en la que Taylor vio la historia es Crime Scene, una web dedicada a presentar crímenes ficticios apoyados con pruebas que el público puede investigar y resolver por sí mismo. Esta web fue creada por Tom Arriola, un director de teatro experimental de Oxford, Mississippi.

Debido a esta situación las canciones que hemos comentado anteriormente tuvieron que ser eliminadas del disco en una remasterización en diciembre de 1999 y, en su lugar, se sustituyeron por la canción «Me Inside». Lo cual resulta curioso porque la canción original «Despise» nunca se ha publicado como canción sino como una demo digital.

Y, de esta forma, con su primer contrato con una gran discográfica (Roadrunner Records), fue como Slipknot creyó una historia falsa y tuvo que rehacer parte de su recién publicado primer álbum.

Años más tarde, «Purity» volvió a ser incluida en el álbum por el décimo aniversario y, además, es una canción que suelen tocar en directo, con más de 350 apariciones en su setlist. Sin embargo, el preludio de esta canción no corrió la misma suerte y no se ha vuelto a publicar.

Conclusión

Por supuesto, la web Crime Scene ha resultado polémica desde sus inicios debido, precisamente, a que sus historias parecen verdaderas y que no se explicaba en ningún sitio que se trataba de un juego. Esta situación incluso se trató de llevar a los tribunales ya que se acusaba al autor de hacerse pasar por un agente de la autoridad. Sin embargo estas denuncias no tuvieron mucho recorrido.

Sin embargo, la moraleja de esta canción es que no toda la información que se publica en internet es verdadera y hay que analizar las fuentes de las que se extraen estas historias. De lo contrario, se corre el riesgo de que nos explote la cabeza con un señor que ha estado en coma durante 35 años y aún así tuvo hijos y una vida plena o que nos creamos que las pirámides fueron construidas por los extraterrestres porque lo ha dicho un documental de no sabemos qué canal (sí que lo sabemos).

En este caso, Slipknot cometió un error que podría haber pagado más caro, ya que en su primer álbum de estudio se enfrentaron a una demanda y a la retirada de dos de sus canciones, lo que provocó un reajuste en un disco que acababa de ver la luz a través de un reciente contrato con su discográfica.

Por lo que desde aquí os damos un consejo: ¡Que no os la metan doblada!

Bibliografía y sitios de interés

Arnopp, J. (2001). Slipknot: Inside the sickness, behind the masks. Ebury.

McIver, J. (2001). Slipknot: Unmasked. Omnibus Press.

Crimen de Purity en Crime Scene

Audio original del que se extrae la canción «Frail Limb Nursery»

Canciones de Slipknot tocadas más veces en directo.

Black Betty – ¿El efímero éxito racista de Ram Jam?

Si te decimos Ram Jam quizá no te suene de nada, pero solo con escuchar unos segundos de su tema más conocido, seguro que empiezas a ubicarlos…

Ram Jam fue una efímera banda de hard rock estadounidense que podríamos catalogar como one-hit wonder, aunque no suele aparecer en las recopilaciones de este tipo de grupos. 

En su corta carrera (de 1977 a 1978) tan solo publicaron dos álbumes de estudio y un single, precisamente el de su único éxito: Black Betty. Pero, curiosamente, su mayor éxito no era original, era una versión cargada de polémica. ¿Quieres saber por qué?

Para rastrear los orígenes de este tema, debemos remontarnos mucho tiempo antes del momento en que se creó Ram Jam: la primera grabación de esta canción tuvo lugar en 1939, y corresponde al músico Lead Belly, a quien tradicionalmente se atribuyó la autoría del tema. Sin embargo, son muchas las referencias a la canción que aluden a su existencia antes de esa grabación. 

Benjamin Franklin. Fuente: Wikimedia.

Ante las dificultades de rastrear la canción, las distintas investigaciones han puesto el foco sobre el término “black Betty” al que alude la letra. Y así se han podido remontar hasta el siglo XVIII, cuando el mismísimo Benjamin Franklin recogió en su The Drinker’s Dictionary la expresión “ser besado por la negra Betty” como sinónimo de emborracharse.

Sin embargo, las referencias a “black Betty” parecen ser muy diversas a lo largo del tiempo y aluden a ideas completamente distintas: desde rituales de matrimonio, a vagones de traslado de presos pasando por botellas de whiskey, látigos para castigar a los esclavos y mosquetones británicos. Aún está por descubrir el significado original de la canción, pero todas las referencias parecen concluir que se trata de un tema de origen popular vinculado a la población afroamericana. E incluso el hecho mismo de que la grabación de Lead Belly se realizara a capella y con un acompañamiento de palmadas, ha servido a varios autores para dar por cierta la hipótesis de que se trataría de una canción de trabajo de los esclavos negros en Estados Unidos.

Portada del álbum de Lead Belly. Fuente: Wikimedia.

La grabación de Lead Belly no supuso problema alguno, lo cierto es que pasó sin pena ni gloria, aunque revitalizó de alguna manera el tema. Quienes lanzarían al estrellato la canción serían Ram Jam, aunque aún no se llamaban así…

Los orígenes de Ram Jam están completamente vinculados a “Black Betty”, y es que Bill Bartlett, fundador del grupo, creó en primer lugar una banda con el nombre de Starstruck, y fue en ella donde cogió la canción popular, que apenas duraba un minuto, y la alargó e instrumentó hasta darle la forma con que todos la conocemos, con esos algo más de dos minutos.

El éxito del tema llevó a los productores Jerry Kasenetz y Jeffry Katz a crear un nuevo grupo para Bartlett con el que relanzar a nivel nacional el sencillo y un álbum que tuvieran como bandera “Black Betty”, y así es como nació Ram Jam y su álbum homónimo.

Portada del primer álbum de Ram Jam. Fuente: Wikimedia.

Pero a diferencia de la canción de Lead Belly, la de Ram Jam estaba interpretada por blancos, y eso despertó algunas sensibilidades. Pronto comenzaron a aparecer críticas al grupo por convertir en un éxito de rock una canción de trabajo o lamento afroamericano, e incluso se habló (sin usar aún el concepto) de apropiación cultural por parte del grupo. Aunque no existía ninguna intención por parte del grupo de burlarse de los negros estadounidenses, las críticas no se quedaron en comentarios de barra de bar, sino que se convirtieron en asunto de la NAACP, la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color, y el CORE, el Congreso de Igualdad Racial, que denunciaron el tema e incluso animaron a boicotearlo. Sin embargo, estas denuncias hicieron que se hablase más de la canción y, lejos de lograr su objetivo, estos colectivos la popularizaron aún más, llegando a posicionarse entre las diez canciones más escuchadas en Reino Unido, Europa y Australia, y entre las veinte primeras de Estados Unidos (puesto 18 en Billboard).

El éxito fue mayúsculo para una banda recién creada, pero tal y como le vino la fama, se marchó: apenas unos meses después, en 1978, Ram Jam publicó su segundo álbum, Portrait of the Artist as a Young Ram, pero quedó lejísimos de los índices del primero y ese mismo año la banda se disolvió. Pocos grupos encajan tan bien en la definición de one-hit wonder.

Pero la polémica no ha quedado atrás, y los debates sobre la apropiación cultural vuelven a poner el foco cada poco tiempo sobre la canción, y ya han sido varios los casos recientes en que el tema ha sido censurado en determinadas instituciones como federaciones deportivas o universidades estadounidenses.

Seguro que cuando escuchabas esta pegadiza canción no te planteabas que pudiera haber tanta controversia detrás, así que estamos seguros de que ya no la volverás a escuchar igual.

Referencias:

  • Asmar, M. (2006). «UNH’s ‘Black Betty’ bam-ba-lams its last», en Concord Monitor.
  • Franklin, B. (1737). The Drinker’s Dictionary. Versión consultable online en founders.archives.gov.
  • Iturbide, S. (2021). «Canciones con historia: el posible origen esclavista de la canción ‘Black Betty’ de Ram Jam», en ondacero.es.
  • Talevski, N. (2006). Rock Obituaries. Knocking On Heaven’s Door. Omnibus Press.
  • «Ram Jam» en allmusic.com.

Nanking – Exodus y la Violación de Nankín

En el año 2010 Exodus publicó su noveno álbum de estudio Exhibit B: The Human Condition. Un álbum en el que se mezcla política, guerra o muerte y nos enseña el lado más crudo y oscuro de la condición humana. Antes de abordar el tema de la canción que hemos escogido merece la pena que nos centremos en la propia portada del disco que se aprecia en el video a continuación. La portada se trata de un «Hombre de Vitrubio» convertido en un esqueleto que porta armas en sus manos, una biblia e incluso un chaleco bomba. Una portada que trata de mostrar este lado más retorcido del ser humano, en palabras de Gary Holt (guitarrista y compositor de Exodus): la obra de arte representa al hombre y su afinidad por el derramamiento de sangre, la ignorancia y la capacidad general para ser llevado como ovejas al matadero.

La canción que analizaremos a continuación es «Nanking» , que trata sobre lo que se conoce como «la Violación de Nankín», un episodio ocurrido durante la Segunda guerra sino-japonesa.

Sadistic soldiers of the rising sun
1937’s when the rape had begun
The ancient city fell under imperial rule
By an engine of war and lust, savage and cruel

La primera estrofa comienza dirigiéndose a los soldados japoneses «soldados del sol naciente» a los que tilda de sádicos y nos dice que en 1937 comenzó la «violación». Las causas de esta guerra fue la política imperialista japonesa tras la Primera guerra sino-japonesa. Después del incidente de Mukden en 1930, la región de Manchuria pasó a manos japonesas en 1934 y desde ahí iniciaron una política destinada a consolidar posiciones en el norte de China, lo que aumentó la tensión entre ambos gobiernos. En 1937 se produjo el incidente del Puente de Marco Polo cerca de Pekín que dio lugar a una serie de pretextos para iniciar una guerra y precipitar las acciones de Japón sobre China. En julio de ese mismo año las tropas japonesas comenzaron una guerra de conquista que se dirigió hacia Nankín, ciudad protagonista de nuestra canción y capital de China en ese momento.

La estrategia japonesa se basó en asestar un gran golpe a Nankín y forzar la rendición china. Esta ciudad destaca por ser relativamente vulnerable debido a su posición geográfica ya que se encuentra encajada en un recodo del río Yangtsé y está rodeada de agua.

Localización de Nankín. Fuente: Google maps.

Assembly line efficiency of killing machines
Unbridled fury of the sick and obscene
Systematic sexual degradation
The more perverse the greater exaltation

El camino hacia la capital comenzó a finales de noviembre y en pocas semanas el ejército japonés arrasó con las poblaciones adyacentes a Nankín. El 7 de diciembre los japoneses se encontraban a las puertas de la ciudad y el 13 ya habían penetrado en ella comenzando el horror que describe la canción.

La entrada a Nankín

El ejército japonés entró a la ciudad con la siguiente orden: Todos los prisioneros de guerra han de ser ejecutados. Método de la ejecución: dividir a los prisioneros en grupos de a doce. disparar a matar por separado. Sin embargo, había un problema y es que en la ciudad quedaban más de medio millón de civiles y un ejército de en torno a 90.000 soldados chinos frente a los 50.000 del ejército japonés.

La orden de asesinar a todos los prisioneros podría haberse debido a que eran bocas que alimentar y que la supervivencia de estos podría suponer sublevaciones y altercados. Para poder llevar a cabo las ejecuciones los japoneses optaron por engañar a los que se rendían con la falsa promesa de mantenerlos con vida. Sorprendentemente para los japoneses, los soldados chinos apenas mostraron resistencia y se rindieron con facilidad, entregando sus armas y aceptando la derrota. Poco a poco el ejército japonés fue eliminando a los soldados. La mayor matanza ocurrió junto a la montaña Mufu, en el que fueron ejecutadas 57.000 personas en su mayoría soldados, aunque también civiles.

Nowhere to hide, nowhere to run
They turned the waters of the Yangtze red with blood
Cast aside and brutalized
Terrific horror made to terrorize

Tras la rendición en masa de los soldados, el día 13 de diciembre la ciudad había capitulado definitivamente. Los japoneses ocuparon los edificios gubernamentales y comenzaron los saqueos, violaciones y el exterminio de civiles.

En los primeros días tras la conquista mataron a civiles aleatoriamente y en cualquier sitio de la ciudad disparando cuando se les antojaba. Por la ciudad corrían los ríos de sangre y los ciudadanos no podían escapar de ese horror. Como dice Exodus «Ningún lugar para esconderse, ningún lugar para correr» ya que no solo asesinaron civiles en las calles sino que el ejército japonés fue casa por casa investigando que no hubiera soldados escondidos. No solo los civiles de la ciudad eran asesinados sino también los de las poblaciones que se encontraban alrededor de Nankín ya que los japoneses disparaban a cualquier joven chino bajo el pretexto de que podían ser antiguos soldados. Los cuerpos de tantas personas se fueron apilando junto al río llegando a teñirlo literalmente de rojo, circunstancia que también recoge la banda en el estribillo de la canción «enrojecieron las aguas del Yangtsé con sangre».

Cuerpos de víctimas junto al río Quinhuai, afluente del Yangtsé, a las afueras de Nankín. Fuente: Wikipedia.

Bestial and violent, six weeks of suffering
So black was the day they marched through the gates
Their fate was beckoning

La masacre de Nankín acababa de empezar y se desarrollaría a lo largo de seis semanas. «Bestial y violento, seis semanas de sufrimiento» continúa el estribillo. Par diciembre de ese año la mitad de la población había huido de la ciudad (pasó de un millón a unas 500.000 personas) y los que quedaron, en muchos casos, eran civiles de las comarcas de alrededor de Nankín que esperaban que la ciudad les protegería. Muchos civiles chinos recibieron a los japoneses con júbilo pensando que así obtendrían el perdón de los invasores y podrían proseguir con sus vidas. Sin embargo, desde el momento en el que tomaron la ciudad, los crímenes se fueron perpetrando indiscriminadamente.

Las torturas

Tanks ran over men nailed to boards
Decapitations with an officer’s sword
Gang rape of women, both the young and the old
Frozen to death in waters ice cold

Disembowelment, some are buried alive
Suicide’s preferred for those who survive
The stench of corpses everywhere in the streets
Dogs feast on the rotting meat

Matar se convirtió en un juego para los soldados japoneses y Exodus nos narra en estas estrofas algunos de los métodos que utilizaron para asesinar y torturar a la población. Uno de ellos fueron los entierros prematuros por los que los soldados japoneses obligaban a los cautivos a cavar una fosa, otro grupo enterraba al primero, el siguiente al segundo grupo y así sucesivamente «Muchos eran enterrados vivos». Los japoneses alargaban la agonía de los civiles agonía con enterramientos parciales hasta el pecho o la cabeza. El destino de estos enterrados era servir de diana o ser atropellados por tanques.

Civiles chinos siendo enterrados vivos. Fuente: Wikipedia.

Los blindados también se utilizaron para atropellar a prisioneros que clavaron en tablas a lo largo de la ciudad «Los tanques atropellaron a los hombres clavados en tablas». Por supuesto, también mutilaron a estos prisioneros con bayonetas, sables o agujas.

También fueron quemadas vivas una gran multitud de personas, así como la muerte por hielo, en la que obligaban a los civiles a realizar agujeros en el hielo del río y a meterse en el agua para ser inmediatamente acribillados «Congelados hasta la muerte en aguas heladas».

La última estrofa también nos habla de perros que «se dan un festín con carne podrida» aunque la realidad es más aterradora, pues una de las torturas era precisamente ser despedazados por perros de presa.

Las violaciones

Thousands forced into prostitution
So many years and still no restitution
The carnage of Carthage so easily outdone
Add all the blood you get 1200 tons

En esta estrofa se habla de las violaciones que sufrieron las mujeres. Probablemente esta sea una de las mayores violaciones en masa de la historia, se estima que entre 20.000 y 80.000 mujeres fueron violadas. Sin embargo, los datos estadísticos no sirven para medir el horror vivido durante estas seis semanas.

Los soldados japoneses violaron sin distinción de clases sociales, en muchas ocasiones hasta la muerte. En los registros que hacían casa por casa exigían dinero y «chicas jóvenes» por lo que la vida en Nankín tenía un doble peligro para las mujeres: el de quedarse dentro de la ciudad y ser vendida por sus propias familias o el de huir hacia la zona de seguridad exterior y ser interceptadas en el camino.

Las mujeres chinas fueron violadas en cualquier parte y a cualquier hora: en plena calle, a la luz del día sin que nadie interviniera. Tampoco había distinción de edad, muchas mujeres ancianas fueron atacadas sexualmente hasta la muerte y, si apenas hubo respeto por las ancianas, lo peor se lo llevaron las niñas de la ciudad. Estas últimas no solo eran violadas sino que también mutiladas o cortadas por la mitad tras el acto sexual.

La violación de mujeres con frecuencia venía acompañada de la masacre de familias enteras y muchas de estas mujeres fueron forzadas a la prostitución como explica la canción.

Esta misma estrofa termina haciendo una comparación entre el destino de Nankín y el de Cartago tras la tercera guerra púnica (del que ya hablamos aquí).

Conclusión

Massacre removed from history books
No mention of men hung from iron hooks
All counter to the rules of war
They made a city an army’s whore

Los datos de esta masacre y violaciones se han adulterado a lo largo de los años y diversos estudios arrojan cifras muy dispares. Por un lado, algunos autores japoneses dan cifras inferiores a 200.000 asesinados, llegando incluso a la cifra de menos de 3.000 personas. Algunos estudios chinos dan cifras superiores a 400.000 personas asesinadas.

No obstante, lo interesante de esta circunstancia es que mientras se producía este fatídico acontecimiento, la prensa norteamericana era bien informada. Por lo que los japoneses decidieron poner a funcionar un aparato propagandístico para influir en la opinión pública en vez de exigir a sus tropas que cesaran la masacre. En Shangai se podía leer el titular «La armoniosa atmósfera de la ciudad de Nankín rezuma bienestar», dónde se afirmaba que «el Ejército Imperial entró en la ciudad, envainó las bayonetas y estrechó las múltiples manos agradecidas para examinarlas y curarlas». Esta propaganda no sirvió de mucho y antes de que terminara la II Guerra Mundial, comenzaron los juicios contra los generales japoneses que permitieron tales atrocidades y que se prolongaron hasta 1946. Estos procesos judiciales resultaron en condenas de muerte para una serie de altos cargos aunque no todos los implicados (incluidas la familia imperial y el propio Hirohito) fueron condenados.

Juicio en el Tribunal Penal Militar Internacional para el Lejano Oriente. Fuente: Wikipedia.

El final de la canción es un canto hacia lo desapercibida que ha pasado esta historia en la memoria colectiva. Si bien es cierto que para China es un episodio muy relevante, los japoneses tratan de mantenerlo oculto y para lo que se conoce como «occidente» esta historia apenas aparece en los libros.

Posiblemente las torturas que se cometieron en Nankín no se alejen de la barbarie nazi que todos conocemos. Por el contrario, el mundo occidental apenas toma conciencia de algo que no considera suyo o que considera lejano y es posible que de ahí venga la queja de la propia banda cuando habla de una «masacre eliminada de los libros de historia» e incluso llegan a sentenciar con un «convirtieron una ciudad en la puta de un ejército» mostrando con ello cómo se le ha dado la espalda a esta historia y criticando el lado más oscuro de la condición humana.

Bibliografía:

Chang, I. (2017). La violación de Nanking: El holocausto olvidado de la Segunda Guerra Mundial. Capitán Swing Libros.

Lai, B. (2018). Chinese soldier vs japanese soldier: China 1937–38. Bloomsbury Publishing.

Paine, S. C. M. (2005). The sino-japanese war of 1894-1895: Perceptions, power, and primacy. Cambridge University Press. Whitehurst,

G. W. (2020). The china incident: Igniting the second sino-japanese war. McFarland.

Sängerkrieg – In Extremo y la lucha por la música

No es la primera vez que hablamos de In Extremo en este blog, y es que la relación de este grupo de folk metal alemán con la historia es mucho más profunda de lo que pueda parecer inicialmente, y estamos seguros de que no tardarán en volver a estas páginas. En esta ocasión los traemos para realizar con ellos un viaje que nos va a llevar a un acontecimiento que no sabemos si es histórico, pero que sin duda es un acontecimiento de la historia de la música: el Saengerkrieg o Wartburgkrieg.

Sængerkrieg es el segundo tema del álbum que lleva el mismo nombre, Sængerkrieg (2008).

Para ello nos trasladamos al siglo XIII, a la región alemana de Turingia. Por aquel entonces lo que hoy conocemos como Alemania era un territorio completamente fragmentado en distintos estados, la mayor parte de ellos regidos por una especie de príncipe que recibía el título de Landgrave. Pues bien, el Landgrave de Turingia a inicios del siglo XIII fue Hermann I, nieto por parte de madre de Federico I Barbarroja.

Hermann I de Turingia. Fuente: Wikimedia.

Hermann I había nacido en torno al año 1155, sus primeros años y la forma en que llegó al poder son algo confusos y se tienen pocas certezas, pero para 1197 ya era Landgrave. Lo que sí se sabe de su actividad como gobernante es que fue un hombre culto, que protegió y patrocinó a artistas de toda clase, pero especialmente a músicos. Su afición por la música le llevó incluso a hacer alguna incursión en el campo, pues a él se atribuye la composición de himnos de música sacra.

Sin embargo, lo que lo trae aquí es un episodio concreto de su vida, la organización de lo que se llamó Sängerkrieg o Guerra de los cantores de Wartburg. Un episodio que aun despierta mucho debate entre historiadores, musicólogos y filólogos, pues existen serias dudas de su veracidad histórica.

El castillo de Wartburg fue la residencia y centro de poder de los Landsgraves de Turingia hasta el siglo XV. Fuente: Wikimedia.

El Sängerkrieg fue un concurso de ministriles (Minnesänger en alemán), una especie de juglares característicos de la Alemania medieval, que organizó Hermann I en su palacio de Wartburg a propuesta de uno de los poetas más conocidos del momento, Heinrich von Ofterdingen, y que pasó a la historia como un gran combate entre músicos. En realidad In Extremo no cuenta el acontecimiento como tal en su canción, sino que lo emplea para establecer un paralelismo entre aquella competición y la competencia que se da en la actualidad en la escena musical, y así lo deja claro desde el primer verso: Damals wie heute zanken die Barden (Entonces como ahora, los bardos se pelean).

No obstante, la canción sí que incluye algunos (pocos) elementos que aluden al acontecimiento. Así, sin ir más lejos, el segundo verso dice: Wie Walter und Neidhardt vor achthundert Jahren (Como Walter y Neidhardt hace ochocientos años). Se está refiriendo a Walther von der Vogelweide, el que está considerado el poeta en lengua alemana más importante de la Edad Media, y uno de los más importantes de la historia alemana, y que supuestamente habría sido uno de los contendientes en el concurso.

Miniatura de Walther von der Vogelweide en el Codex Manesse. Fuente: Universitäts-Bibliothek Heidelberg .

Pero es que son precisamente los participantes los que arrojan dudas sobre la veracidad de los hechos: las fuentes que se refieren a tal acontecimiento son en realidad de naturaleza literaria, lo cual ya dificulta su análisis y contextualización. Tal es el caso del Codex Manesse, una recopilación de canciones de amor del siglo XIV que recoge estos hechos. Además, en ellas aparecen poetas y músicos que sí que existieron y que, de acuerdo a la cronología, pudieron participar, como ocurre con Walther von der Vogelweide. Pero también se citan otros personajes que o bien son puramente ficticios o, por fechas, no pudieron coexistir con los demás citados.

En cualquier caso, según la leyenda, el concurso enfrentó a seis de los mejores poetas y juglares de la época y se prolongó durante meses, llegando incluso a valerse de trucos y engaños para hacerse daño los unos a los otros. Todos debían componer e interpretar loas a los nobles que les servían de anfitriones, pero sirviéndose de esas malas artes, algunos consiguieron que sus oponentes acabasen ofendiendo al Landgrave de Turingia. Así fue en el caso de Heinrich von Ofterdingen, que llegó a ser condenado a muerte pero logró la protección de la esposa del Landgrave conmutando su pena por un año de suspensión.

La propia canción de In Extremo dedica la mayor parte de sus versos precisamente a hablar de esa competencia sucia, llegando a comparar a los músicos con cerdos, y poniéndose ellos mismos como ejemplos de ambición y lucha por alcanzar la cima.

Otra de las cosas que hacen dudar de la veracidad de los hechos es la inclusión de elementos fantásticos, propios de la literatura de la época, como lo es la participación en el concurso de un hechicero, Klingsor, que llegó para sustituir a Ofterdingen tras su derrota, y que al parecer invocó a un demonio durante sus actuaciones para que continuase por él el duelo. Aunque el demonio fue derrotado por Wolfram von Eschenbach.

Miniatura del Codex Manesse en que aparecen el Landsgrave de Turingia y su esposa Sophia (arriba) y los seis participantes en el concurso junto al hechicero Klingsor (abajo). Fuente: Universitäts-Bibliothek Heidelberg.

Quizá a estas alturas hayas relacionado el nombre de Tannhäuser con estos hechos, y es que la ópera de Wagner que lleva por título su nombre ambienta su segundo acto precisamente en la Sängerkrieg de Wartburg (también cabe la posibilidad de que su nombre solo te sonase por la mención que se hace a la Puerta de Tannhäuser en la película Blade Runner). Sin embargo, Tannhäuser, a pesar de ser otro de los trovadores más conocidos de la Edad Media alemana, es algo posterior a estos hechos y no aparece citado en las fuentes. Fue Wagner quien estableció la relación entre las leyendas en torno a su figura y la leyenda de la Sängerkrieg de Wartburg.

En realidad resulta realmente complicado tratar de concretar algo o deducir alguna certeza en torno a esta competición musical, sin embargo la realidad es que la Sängerkrieg fue continuamente revisitada por la literatura posterior, y ya en la propia Edad Media algunos historiadores la dieron por cierta mientras otros la rechazaron. Y mientras tanto, quienes la relataban iban añadiendo nuevos detalles y cambios que hacen aun más difícil su interpretación. Quizá por ello en la canción de In Extremo se mencione esto para, en ese paralelismo con la actualidad, hablar de que no hay ganadores ni perdedores, porque ni siquiera en la leyenda podemos estar seguros de quién venció. De lo único de lo que podemos estar seguros es de que, como dice la canción: Ein Jeder singt sein eigen Lied / Auf der Wartburg hatten alle Platz. Cada uno cantaba su propia canción, pero había sitio para todos en Wartburg.

In Extremo. Fuente: Wikimedia.

Referencias:

  • Facsímil del Codex Manesse en la Universitäts-Bibliothek Heidelberg.
  • Muro Aristizabal, B. (2012). Der Sängerkrieg auf der Wartburg. El tema de la lid de los poetas y su recepción literaria en Novalis, E. T. A. Hoffmann, Friedrich de la Motte Fouqué y Richard Wagner (Tesis doctoral). Universidad del País Vasco.
  • Henken, J. ««O du mein holden Abendstern» de Tannhauser», en LAPhil.com.

Three ships of Berik – Therion y los godos

En el año 2004 la banda de sueca de metal sinfónico Therion publicó de forma simultánea sus álbumes Lemuria y Sirius B. Estos álbumes reúnen en sus letras una serie de tradiciones míticas de diversos pueblos (godos, griegos, aztecas, hindúes, egipcios, etc.). Nos centraremos en dos canciones del álbum Lemuria llamadas «Three Ships of Berik, Pt. 1: Calling to Arms and Fighting the Battle» y «Three Ships of Berik, Pt. 2: Victory!».

Jordanes told us the story,
Yes, of Berik!

La primera estrofa nos dice que «Jordanes nos contó la historia. Sí, de Berik» . Aquí ya aparecen los dos protagonistas de nuestra entrada: por un lado, Jordanes, quien nos va a contar una historia y, por otro, Berik que, según el título de la canción, sabemos que tenía tres naves.

¿Quién es Jordanes? Jordanes o Jornandes fue un historiador del siglo VI. La información que tenemos sobre este autor es incompleta y los detalles que se conocen de su vida se han extraído de sus propios textos, lo cual ha suscitado un amplio debate en torno a su figura. Uno de los problemas que plantea el autor es el de su origen, del que se debate si podría ser alano (por el trato de favor que recibe este pueblo en sus escritos) o godo (pueblo del que él mismo afirma proceder), además, sabemos que los miembros de su familia cumplían una función administrativa que, aunque a priori podía relacionarlo con los alanos, la realidad es que podrían haber desempeñado el mismo papel de haber tenido un origen godo.

Es posible que Jordanes participara en campañas contra Roma y Rávena bajo el mando de Guntigis aproximadamente en los años 538-540 y, posteriormente, tendría lugar su discutida «conversión». Para muchos autores esta conversión simplemente fue un paso del paganismo o del arrianismo al catolicismo. Otros autores piensan que fue una conversión espiritual y profunda que lo llevó a abrazar la vida monacal llegando a ser obispo de Crotona, aunque muchos autores consideran que nunca ostentó ese cargo.

Como se puede observar, la biografía de Jordanes arroja demasiadas dudas: alano o godo, religioso o seglar, obispo o monje… Sea como fuere, lo que podemos afirmar es que a mediados del siglo VI se encontraba en Constantinopla en un ambiente próximo al emperador Justiniano.

En cuanto a sus obras, solo han llegado hasta nosotros dos de ellas: una historia romana y la obra que nos atañe en esta entrada: Origen y gestas de los godos, tradicionalmente conocida como Getica, la cual fue escrita en torno al año 551.

Uno de los problemas de esta obra reside en que, en su prólogo, Jordanes presenta su historia como una compilación de la Historia de los godos de Casiodoro, la cual no ha llegado a nosotros. Esta situación ha suscitado un debate sobre la originalidad de la obra de nuestro autor.

A falta de la obra de Casiodoro, la historia de los godos de Jordanes constituye el primer intento de elaborar una historia nacional de un pueblo europeo que servirá de inspiración para la historia de los francos de Gregorio de Tours, la de los anglosajones de Beda o la de los longobardos de Pablo Diácono.

Berik the Gothic King:
«Gather all the Ostrogoths
And Visigoths!
Ride like an arctic storm
Across the world!»

En la siguiente estrofa nos habla Berig (Berik en la canción), quien lanza un mensaje para que ostrogodos y visigodos se pongan en marcha y «cabalguen como una tormenta ártica a través del mundo». Según Jordanes, Berig fue el rey con el que los pueblos godos salieron de un lugar llamado Escandía y tomaron tierra en un territorio llamado Gotiscandia. De este rey no tenemos información verídica y probablemente sea un rey mítico, pero a través de su figura, Jordanes narró el viaje de los pueblos godos que partieron de algún lugar de Escandinavia y entraron en contacto con el Imperio Romano.

El título de las dos canciones hacen referencia a este párrafo de Jordanes: «Los godos habían salido del interior de la isla de Escandía con su rey Berig a la cabeza, transportados solo en tres barcos hasta la costa del océano citerior, es decir, a Gotiscandia».

Escandía podría corresponderse con el territorio conocido como Götaland, una franja en la zona sur de la actual Suecia entre el estrecho de Kattegat y el mar báltico. Desde ahí saltaron al territorio de Gotiscandia, el cual se ha relacionado con el actual territorio polaco de Gdansk.

Mapa en el que aparece Götaland en verde y el Imperio Romano en lila. Fuente: Wikipedia.

La historia de las tres naves aparece poco después como explicación del parentesco entre los pueblos getas y gépidas, llamados estos últimos así, según Jordanes, porque una de estas tres naves fue más lenta. Una vez en el continente, marcharon contra ulmerugos, vándalos y los pueblos de alrededor, entre ellos los escitas.

Gather all the Gothic Tribes, all the sons of Berik
On three ships you sail away on a pagan crusade
Tyrants of the christian world fear you more than their God
Theoderik, gothic king: «Gog iste gothus est»

La siguiente estrofa habla de los «hijos de Berig» para referirse a los ostrogodos y habla de una «cruzada pagana» , el temor de los cristianos hacia sus conquistas y, por último, nombra a Teodorico como rey godo «Gog iste Gothus est».

Comencemos con los ostrogodos. Jordanes dedica la última parte de su obra a este pueblo. Según Jordanes los pueblos godos se dividieron poco antes de la llegada de los hunos en visigodos y ostrogodos: «Balamber, rey de los hunos, dirigió su ejército hacia la región de los ostrogodos, que estaban ya separados de los visigodos a causa de cierta disputa». Tras esta conquista, los ostrogodos quedaron bajo dominio huno hasta la muerte de Atila, momento que aprovecharon para retomar su dominio y expulsar a los invasores.

Tras esto, se suceden una serie de victorias y conquistas por parte de los ostrogodos hasta llegar al reinado de Teodorico, llamado el grande, a quien Jordanes dedica un verdadero panegírico en el que ensalza su figura como monarca y como heredero natural de la nobleza gótica y digno sucesor legítimo del imperio romano.

Moneda de Teodorico. Fuente: Wikipedia.

La canción nos habla de una cruzada pagana para hacer referencia a que los ostrogodos eran mayoritariamente arrianos. Esta última estrofa es bastante apocalíptica y está escrita desde la perspectiva del cristianismo católico y en ella aparecen los ostrogodos o los hijos de Berig como un pueblo que está arrasando el imperio y que van a imponer su religión.

La última frase de la canción es una locución latina atribuida a San Ambrosio de Milán «Gog iste gothus est». Esta expresión compara a los pueblos godos con Gog, un personaje bíblico apocalíptico que surgirá del reino de Magog para luchar contra el pueblo elegido y sobre el que Dios mandará destrucción. Según Ezequiel: «Enviaré fuego sobre Magog y sobre los que habitan con seguridad en las costas. Y sabrán que yo soy el Señor». Ambrosio unió de esta forma la historia de los godos a la Biblia, viendo a los arrianos como el mal que vendría a asolar la cristiandad y sobre el que caería un justo castigo.

La realidad es que Teodorico, aunque arriano, no trató de imponer sus creencias religiosas en los lugares que dominó. Su conquista comenzó desde el núcleo ostrogodo hacia Italia, lugar en el que derrotó a Odoacro (quien, a su vez, depuso al último emperador romano) y, más tarde, se convirtió en regente de Hispania. Debido a ello, las fronteras del Imperio romano de Occidente estaban prácticamente bajo su dominio. Gracias a estas conquistas Jordanes lo considera como el sucesor adecuado para ostentar la dignidad imperial.

Mapa con los territorios controlados directamente por Teodorico y sobre los que ejercía su influencia. Fuente: Wikipedia.

La segunda canción de Therion es un epílogo instrumental que representa las victorias de Teodorico como colofón final al viaje del pueblo godo desde tierras escandinavas supuestamente impulsado por Berig. Por su parte, la obra de Jordanes también tiene como punto álgido la llegada al poder de Teodorico y sus hazañas.

Concluye Jordanes de esta forma «Hasta aquí nuestro relato sobre los orígenes de los getas, la nobleza de los Ámalos y las hazañas de estos hombres valerosos. Esta raza tan encomiable se sometió a un príncipe más digno, si cabe, de alabanza, y a un valiente general, cuya gloria no será silenciada por los siglos ni las edades futuras, sino que tanto el emperador Justiniano como su cónsul Belisario recibirán los títulos de vencedores de los vándalos, los africanos y los getas».

Bibliografía:

Alonso-Nuñez, J. M. (1990). Jordanes y la emigración y fama de los godos. Memorias de historia antigua, 11, 215-218.

Christensen, A. S. (2002). Cassiodorus, jordanes and the history of the goths: Studies in a migration myth. Museum Tusculanum Press.

García, S. B. (2000). Jordanés y la problemática de la Gética. Memorias de historia antigua, 21, 49-71.

Jordanes. (2001). Origen y gestas de los godos. Cátedra.

Sagrada Biblia: En latín y español, con notas literales, críticas e históricas, prefacios y disertaciones, sacadas. (1832). Galvan.

Wolfram, H. (1990). History of the goths. University of California Press.

Rainbow Warrior – Un barco y mucho heavy metal ecologista

En 1991 el grupo de heavy metal argentino Rata Blanca publicó su tercer álbum titulado Guerrero del arco iris, que incluía en sexto lugar una canción homónima con un claro mensaje ecologista. Apenas seis años después, la banda española Avalanch incluiría en su disco La llama eterna un tema titulado «Rainbow Warrior», traducción al inglés de Guerrero del Arco Iris pero que no era una traducción de la canción de los argentinos, sino un tema completamente nuevo.

La coincidencia en los títulos de ambos temas no se debía a ningún tipo de homenaje, sino una referencia común: el Rainbow Warrior, el buque insignia de la organización Greenpeace y un hito en la historia de los movimientos ecologistas.

La historia e imagen de Greenpeace ha estado siempre muy vinculada a sus barcos desde su propia fundación: en 1971 un grupo de activistas creó la plataforma «No Make a Wave Committee» con la intención de detener las pruebas nucleares que gobiernos como el de Estados Unidos o el de Francia estaban llevando a cabo. Su nombre se debía a la creencia que tenían de que dichas pruebas podían llegar a crear un maremoto.

Algunos de los primeros activistas de Greenpeace. Fuente: Greenpeace.

Incapaces de detener las pruebas, a una de ellos, la activista Marie Bohlen, se le ocurrió que solo con la presencia física en el lugar donde se fueran a realizar unas pruebas provocaría el impacto suficiente para salir en los medios y lograr detenerlas. Así que se pusieron manos a la obra para organizar un viaje en barco hasta el atolón de Amchitka, siguiente objetivo del gobierno estadounidense.

Para recaudar fondos organizaron una serie de conciertos en los que participaron de forma completamente altruista cantautores de la talla de James Taylor, Joni Mitchell o Joan Baez. Y de esta manera consiguieron el dinero necesario para embarcarse en el Phyllis Cormack, un pequeño barco de pesca que fue rebautizado en el viaje con el nombre de Green Peace (origen del nombre de la organización).

Algunos miembros de la expedición con el Phyllis Cormack detrás, ya rebautizado como Green Peace. Fuente: The New York Times.

En cierto sentido, el viaje fue un fracaso, los marineros eran gente sin experiencia alguna, y rápidamente fueron interceptados por la guardia costera. Sin embargo, el viaje tuvo una enorme repercusión mediática y provocó una oleada solidaria que llevó incluso a que civiles bloqueasen la frontera entre Canadá y Estados Unidos como protesta. Las pruebas se celebraron, pero el gobierno estadounidense se comprometió a no realizar nuevos ensayos

Había nacido Greenpeace como movimiento, pero, ¿dónde estaba el Rainbow Warrior?

Durante el viaje del Green Peace, la tripulación hizo una parada en la costa de Canadá, donde fueron acogidos por la tribu cree, un pueblo nativo americano que, por cierto, aparece mencionado en la canción «Run to the Hills» de Iron Maiden. Al enterarse de la misión de los tripulantes, los cree los relacionaron con una leyenda suya que decía que algún día la codicia del hombre blanco provocaría la muerte de los peces, la caída de las aves, el ennegrecimiento de las aguas y la caída de los árboles. La Tierra caería enferma, pero surgiría un grupo de personas que despertarían para crear un mundo nuevo, los Guerreros del Arco Iris. Los bendijeron y les entregaron una serie de símbolos totémicos para que tuvieran protección durante el viaje. 

La canción de 1991 de Rata Blanca precisamente gira en torno a esta leyenda de los indios cree, y la letra reproduce prácticamente su contenido.

Aquel encuentro causó tanto impacto entre los primeros activistas de Greenpeace, que cuando se fletó el primer buque de la organización en 1978, un barco de pesca que compraron en el Mar del Norte, decidieron rebautizarlo como Rainbow Warrior en recuerdo de la leyenda cree.

Sin embargo, la vida del Rainbow Warrior no fue muy larga: tras encabezar algunas de las primeras y más emblemáticas acciones de la organización, se convirtió en símbolo no solo de la ONG, sino del movimiento ecologista, así que se convirtió también en objetivo de ataques. El día 10 de julio de 1985 el Rainbow Warrior se hundió a causa de un atentado que sufrió a manos de los servicios secretos franceses. Con él se llevó también la vida del periodista Fernando Pereyra, única víctima mortal de la historia de Greenpeace.

El Rainbow Warrior hundido en el puerto de Auckland (Nueva Zelanda) tras el atentado. Fuente: La Vanguardia.

Cuatro años después, en 1989, Greenpeace adquirió un nuevo buque, esta vez un gran velero, al que rebautizaron de nuevo con el nombre de Rainbow Warrior, oficialmente el Rainbow Warrior II. La trayectoria de este barco en manos de los ecologistas fue más larga que la de su predecesor, y no terminó de forma tan traumática: en 2011 fue donado a la ONG humanitaria Friendship para servir de barco-hospital en el Golfo de Bengala.

El Rainbow Warrior II. Fuente: Wikimedia.

Pero el Rainbow Warrior sigue siendo el buque insignia de la organización porque aquel mismo año, en 2011, Greenpeace botó el primer barco construido expresamente para ellos: el Rainbow Warrior III, que se encuentra actualmente en activo. Durante el acto de botadura del nuevo navío la madrina del barco y activista de la ONG, Melina Laboucan-Massimo, que además es miembro de la tribu cree, leyó de nuevo la leyenda-profecía.

El Rainbow Warrior III. Fuente: Greenpeace.

En realidad ambas canciones están dedicadas a esa leyenda cree, pero ambas incluyen referencias directas a la organización y a sus barcos: el tema de Avalanch tiene un lenguaje muy poético, sin embargo incluye versos como «Nuestra armadura lleva símbolos de paz» que parecen referirse precisamente a dichos navíos. Y es que esos símbolos totémicos que el pueblo cree entregó a aquellos primeros activistas se han conservado siempre en todos los barcos de Greenpeace como símbolos de paz, protección y suerte.

Por su parte, en el propio videoclip oficial de Rata Blanca aparecían muchas imágenes de Greenpeace, y al final del video se hace una mención a la organización a través de un texto que termina con la dedicatoria: «Rata Blanca agradece a Greenpeace y dedica este tema a todos los que saben que el tiempo de los Guerreros del Arco Iris ha llegado». No es de extrañar que sea precisamente Rata Blanca, la que dedicase ese primer tema a la organización, pues la ONG ha tenido siempre una relación muy estrecha con Argentina, y de allí son buena parte de sus socios y activistas, aunque también muchos críticos.

Pero no son estas las únicas bandas de música que han tenido relación con la organización ecologista: grupos tan importantes como R.E.M., U2 o Queen colaboraron en el pasado con Greenpeace, y más recientemente grupos de heavy metal como Gojira han mostrado públicamente su apoyo.

Por cierto, Amchitka, ese atolón al que se dirigía la primera expedición, es hoy una reserva ornitológica, mientras que los restos hundidos del primer Rainbow Warrior hoy forman parte de uno de los arrecifes artificiales más grandes del mundo.

Restos sumergidos del Rainbow Warrior. Fuente: Sailing Roots.

Referencias:

  • Mompó, M. (2015). Rainbow Warriors. Historias legendarias de los barcos de Greenpeace. Pollen.
  • Brown, M. y May, J. (1989). Historia de Greenpeace. Raíces.
  • Hunter, R. (2005). Viaje a Amchitka. La odisea medioambiental del Greenpeace. El Viejo Topo.

Abigail – Motionless in White y las brujas de Salem

¡Es una bruja!

Motionless in White debutaron en el año 2010 con su álbum Creatures, la banda estadounidense de metalcore ya había publicado dos EP con anterioridad y este fue el primer álbum de larga duración. Este disco está dedicado a los fans de la banda, quienes se hacen llamar «criaturas», y, además, incluyeron fragmentos de letras enviadas por los propios seguidores de la banda.

El álbum abre con la canción «Abigail», que analizaremos a continuación. Se trata de un tema basado en una de las protagonistas de los famosos juicios de Salem, Abigail Williams quien, de forma intencionada o no, comenzó un movimiento contra las brujas de esa ciudad.

La ciudad de Salem (Massachusetts) fue fundada por puritanos, los cuales pertenecían a una corriente calvinista que deseaba purgar Inglaterra de católicos. Sus ideales no eran bien vistos en la corte y pronto se establecieron en Massachusetts, donde pudieron forjar una ciudad de acuerdo a sus ideales.

En 1689, al reverendo Samuel Parris se le asignó Salem Village y se estableció allí con su mujer Elisabeth, su hija Betty de nueve años, su sobrina Abigail de once y dos esclavos amerindios traídos del Caribe, John y Tituba.

Los síntomas de la hechicería

En el invierno de 1691-1692, las niñas pasaban largos ratos con Tituba, quien contaba historias y hacía pequeños trucos de magia. En ese mismo invierno, las muchachas comenzaron a tener comportamientos extraños que derivaron en lo que se conoce como histeria, una afección psicológica que puede provocar convulsiones y trastornos sensoriales.

Burn baby burn
She’s a witch, she’s a witch and I’m a heretic
So, learn baby learn
She’s a witch, she’s a witch and I’m a heretic so, learn

¿Qué ocurrió para que las dos niñas comenzaran a desarrollar estos síntomas? Quizás la presión psicológica que existía al enfrentarse a la dicotomía de disfrutar de la magia y la certeza de que su comportamiento era impuro, pensamiento inculcado a través de los sermones del reverendo. Sea como fuere, en ese invierno, las niñas comenzaron a sufrir ataques que no podían llegar a curar. Durante unas semanas se les trató de administrar ciertos remedios curativos sin éxito por lo que consultaron con varios médicos hasta que uno de ellos, William Griggs, afirmó que se encontraban «bajo una mano maligna». Los rumores pronto corrieron por Salem y los vecinos concluyeron que las niñas estaban hechizadas.

Esta primera estrofa de la canción muestra el sentimiento entre la acusación de brujería que hicieron las niñas y el sentirse ellas mismas como herejes, al haber disfrutado de magia y actos impíos. «Ella es una bruja y yo soy una hereje».

Tituba haciendo magia y las niñas, Alfred Fredericks, s. XIX. Fuente: Wikipedia.

Al día siguiente de la visita del médico, los Parris salieron de casa y, mientras tanto, Tituba trató de realizar un remedio casero consistente en un pastel horneado con orina de las niñas que dio de comer al perro, un contrahechizo en toda regla. Cuando los Parris regresaron, encontraron a Betty y Abigail peor que nunca y ellas afirmaron haber visto formas de personas reales que las pellizcaban y golpeaban. Ese mismo día, otras dos niñas se vieron afectadas: Ann Putnam y Elizabeth Hubbard, sobrina del Dr. Griggs.

En un principio el párroco se negó a pensar que estuvieran embrujadas pero el rumor de la existencia de un maleficio que había caído sobre Salem se extendió rápidamente y comenzaron los interrogatorios a las niñas para descubrir el origen del hechizo.

Al proseguir los síntomas, tanto Betty como Abigail culparon a Tituba de sus dolores por culpa del encantamiento hecho con el pastel. Aquí tendríamos a la primera culpable, pero, ¿quiénes eran los seres invisibles que hacían daño a las niñas? Los padres de Betty quisieron respuestas y ellas, nerviosas por la situación y escuchando las especulaciones que los vecinos y su familia hacían sobre el tema, decidieron señalar a dos personas más: Sarah Good y Sarah Osborne.

Probablemente esta acusación tuviera más que ver con una presión sufrida por las niñas en los interrogatorios y las sugerencias de los propios interrogadores que con la realidad. ¿Por qué se acusó a estas personas? Las tres mujeres encajaban con el perfil de bruja que existía en el imaginario popular: Tituba, una india de naturaleza impía; Sarah Good, una mendiga problemática que gruñía entre dientes y estaba marginada, y Sarah Osborne, una mujer que rompía las reglas morales de la época y que apenas aparecía por la iglesia.

Los juicios

Oh, Abigail how could you do this to us?
You were a product of lust (product of lust)
And now this rope on my neck stopped all the blood to my head
So, now Salem please save me (Salem please save me)

La siguiente estrofa cambia de protagonista y pasa de Abigail a una de las acusadas que pregunta a la niña el motivo de que la haya acusado. Todo esto mientras se encuentra con la soga al cuello. ¿Cuál fue el destino de las tres acusadas?

El día 29 de febrero, los magistrados emitieron órdenes de arresto para las tres mujeres, quienes debían estar en el ordinario de Ingersoll en Salem Village para ser interrogadas a las diez del día siguiente.

Tituba, Good, Osborne, ¿sois vosotras?

En el interrogatorio, tanto Osborne como Good negaron estar vinculadas a ningún «espíritu maligno», así como hacer daño a los niños de Salem. Sin embargo, en este momento comienzan a bailar las acusaciones, pues Sarah Good culpó a Sarah Osborne de hacer daño a los niños siendo negado por la última. Sin embargo, el testimonio más significativo es el de Tituba, pues afirmó lo siguiente:

  • Pregunta: Tituba, ¿con qué espíritu maligno estás familiarizado?
  • Tituba: Ninguno.
  • Pregunta: ¿Por qué lastimas a estos niños?
  • Tituba: No les hago daño.
  • Pregunta: ¿Quién es entonces?
  • Tituba: El diablo debería saberlo.
  • Pregunta: ¿Nunca vio al diablo?
  • Tituba: El diablo se me acercó y me pidió que lo sirviera.
  • Pregunta: ¿A quién has visto?
  • Tituba: Cuatro mujeres a veces lastiman a los niños.
  • Pregunta: ¿Quiénes eran?
  • Tituba: Goody (Goodwife) Osborne y Sarah Good y no sé quiénes eran los otros. Sarah Good y Osborne querían que lastimara a los niños […]

Incluso Tituba afirmó que había lastimado a los niños porque se sentía amenazada por esta presencia y se arrepentía de hacerlo. Además, afirmó que estaba obligada a servir a un hombre de negro por seis años al que firmó un libro con sangre. En este libro se encontraban las marcas de Sarah Good y Sarah Osborne. Tras este testimonio, las tres mujeres fueron encarceladas inmediatamente a la espera de juicio.

Pese a tener a las «brujas» bajo control, el estado de las niñas no solo no mejoró, sino que otras personas comenzaron a tener los mismos síntomas. En Salem comienza una histeria colectiva y las acusaciones de brujería sin control, algunas de ellas motivadas por rencillas personales.

Los primeros meses no pudieron realizarse veredictos puesto que Salem estaba negociando con Inglaterra una nueva carta de derechos, por lo que la actividad política estaba suspendida. Debido a esta circunstancia, las primeras acusadas pasaron largo tiempo en la cárcel. Una de las consecuencias de la larga estancia entre rejas fue que Sarah Osborne, la mayor de las acusadas, murió en prisión el 10 de mayo.

Wish upon the stars, but they won’t save you tonight
God has forsaken thee to hell, we’re going to hang from the sky
Feel the weight of the stones crush hard on your chest
Confess, confess before you run short of breath
Confess, confess here for your sins

It’s not on a ship we’ll meet again Abigail
But, in hell…
I’ll see you when we both meet in hell

El 14 de mayo llegó el nuevo gobernador, William Phips, que creó una corte especial para dirimir todos los asuntos relacionados con la brujería. En junio comienzan a darse las primeras condenas a muerte por brujería. A Sarah Good le llegó su turno el 19 de julio de ese mismo año, junto con otras cuatro condenadas.

Probablemente sea ella (o el conjunto de condenadas) quien habla a Abigail desde el cadalso antes de morir por su testimonio. Al parecer las palabras de Sarah Good fueron una amenaza hacia el reverendo que le instó a confesar sus crímenes: «Eres un mentiroso», espetó. «No soy más bruja que mago tú y, si me quitas la vida, Dios te dará a beber sangre».

Aunque la canción insta a la acusada a confesar, en realidad no lo hizo, y Motionless in White pone en boca de la acusada una amenaza dirigida a Abigail: «Te veré cuando los dos nos encontremos en el infiero».

Brujas siendo colgadas, 1655. Fuente: Wikipedia.

Nos falta una de las acusadas, ¿cuál fue el destino de Tituba? Se retractó y permaneció un año en la cárcel. Sorprendentemente, no fue juzgada y, al parecer, una persona pagó su fianza y la compró como esclava, tanto a ella como a John. Por lo que ambos abandonaron Salem y no volvieron nunca más.

De la vida posterior de Abigail Williams tampoco se conoce mucho más, sin embargo, sus problemas psicológicos conllevaron al encarcelamiento de ciento cincuenta personas, la ejecución de diecinueve acusados en la horca (catorce mujeres y cinco hombres), la muerte en prisión de siete personas y un muerto tras ser torturado que se negó a testificar contra su mujer. El número total de muertos fue de veintisiete personas. Debido a esta caza de brujas y cruces de acusaciones, muchos vecinos decidieron dejar Salem y comenzar una nueva vida en otro lugar.

Posteriormente, los propios jueces pidieron perdón por estos juicios. ¿Cómo pudo un pueblo contagiarse de esta histeria y comenzar una caza de brujas? Las protagonistas de nuestra historia sí padecían una patología que no sería conocida hasta mucho más tarde. Probablemente, el ambiente creado por los puritanos y sus creencias fomentara que existiera una atmósfera angustiosa en el que las mentes de muchas personas fueran altamente sugestionables y existiesen miedos y recelos entre vecinos. Otra explicación que se ha intentado dar es la posible contaminación de centeno con un hongo que tiene la propiedad de provocar alucinaciones, el cornezuelo.

Sea como fuere, los juicios de Salem se han convertido en un relato con una grandísima influencia a lo largo de la historia. Las referencias a estos procesos las podemos encontrar en casi todas las artes, sobre todo en cine y televisión. ¿Quién no recuerda a Salem, ese gato negro que vivía con Sabrina?

Bibliografía:

Duhoux, J. (2017). El juicio de las brujas de Salem: El diablo coloniza América. 50Minutos.es.

Goss, K. D. (2018). Documents of the salem witch trials. ABC-CLIO.

Pavlac, B. A. (2009). Witch hunts in the western world: Persecution and punishment from the inquisition through the salem trials. ABC-CLIO.

Roach, M. K. (2004). The salem witch trials: A day-by-day chronicle of a community under siege. Taylor Trade Publications.

Rosenthal, B. (1995). Salem story: Reading the witch trials of 1692. Cambridge University Press.